C’est un concept intéressant à avoir en tête quand on se lance dans un projet ou une activité. Plutôt que d’être freiné par différents facteurs – ici, les inquiétudes que vous pourriez avoir sur la qualité du matériel requise, la diversité, la quantité ou encore le prix – je vous propose de vous simplifier cette première étape.

Vous souhaitez vous lancer dans le croquis ? Vous avez lu mon article sur le matériel pour des croquis et ça fait trop pour vous ? Vous ne voulez pas investir, même peu ? Pas de soucis, voici votre MVP pour le croquis :

• le premier stylo ou crayon ou feutre qui vous tombe sous la main ;
• le recto de feuilles déjà utilisées.

Je peux difficilement vous faire plus économique

Pourtant, ce matériel là est tout aussi pertinent et adéquat que votre carnet le plus chic et une superbe boîte d’aquarelle extra-fine ! Car ce qui compte, c’est de se lancer. Et si, pour vous lancer, vous avez besoin de faire simple, alors c’est tout à fait valable.

(Notez que, si pour vous lancer, vous avez besoin de vous sentir porté⸱e par de beaux produits de qualité, c’est tout à fait valable aussi )

Et n’allez pas penser que ce crayon et cette feuille sont des « sous-produits » et que vous allez nécessairement produire des dessins de qualité « inférieure ». Le stylo bille, par exemple, est souvent utilisé par des gens avec un très bon niveau pour ses qualités intrinsèques.

Voyez, par exemple, ce détail d’une œuvre de Flo-M ou l’artiste Beus en train de travailler. On est loin du mauvais ouvrier avec du mauvais matériel, non ?

Un crayon mal taillé peut aussi participer à donner un effet, un caractère à un dessin. Le secret est de vous emparer des spécificités de votre médium et de les exploiter plutôt que de les voir comme des défauts.

Quant-à la feuille, le fait qu’elle soit abîmée, qu’il y a des traces, des pliures, etc. peut tout à fait contribuer à donner du caractère. De plus, cela peut vous servir de point de départ et vous inspirer ; vous pouvez choisir d’intégrer les « défauts » dans votre création.

Bref, je crois que la seule chose dont vous ayez besoin pour vous lancer, c’est l’envie de le faire. Le matériel viendra, les résultats viendront (oui, vous ne ferez pas du Grand Art dès le début) et, avec le bon état d’esprit, le plaisir lui, sera là dès la première trace

Je finirai par cette citation de Pierre Soulages (oui, encore lui) où, évoquant un moment où il se sentait contraint par la peinture à l’huile, il a jeté son dévolu sur du matériel disponible, pas cher, simple :

Par impatience, un jour, dans un mouvement d’humeur, muni de brou de noix et de pinceaux de peintre en bâtiment, je me suis jeté sur le papier

– Pierre Soulages

À vos outils !

Quand faire des croquis en vacances

Cela peut être compliqué parfois de trouver les moments où on peut dessiner, surtout si ça n’est pas une activité partagée.

Première chose : prévenez en amont les personnes avec qui vous serez et voyez avec elles si elles peuvent amener aussi de quoi s’occuper à certains moments pour ne pas s’impatienter.

Astuce : initiez-les au croquis sur le vif (mais bon, ça peut vous prendre beaucoup de temps si elles vous sollicitent beaucoup). Pour ma part, sachant que nous partions avec une famille dont le père dessine, nous avons offert, mon compagnon et moi, un carnet de dessin à la mère et un à la fille. Ainsi, nous avions tous et toutes un carnet et ça pouvait les inciter à dessiner aussi (Résultat : ça a marché !)

Ensuite, il y a les classiques moments de pause : quand on s’arrête au milieu d’une balade, quand on prend une glace, quand on est au restaurant, quand tout le monde passe à la douche un par un (mais bon, c’est aussi souvent le moment où on prépare la table et le repas)…

Où je profite d’une activité escalade pour faire des croquis

Ou alors, quand on se lève avant tout le monde (ah la la ! quelle douce façon de commencer la journée, à la fraîche, au calme, en se réveillant soi-même tranquillement).

Enfin, si on aime ça, il y a les visites. Comme chacun visite plus ou moins à son rythme, je prends le temps de faire quelques croquis rapide d’expositions/de sites.

Croquis faits pendant des visites. La plupart sont faits debout. J’ai rajouté les couleurs après, à la maison.

Que dessiner dans son carnet de vacances ?

Tout, mais surtout, n’importe quoi

Tout ce qui peut vous inspirer est un sujet valable. Il n’y a pas besoin que cela soit la vue de l’église médiévale incroyablement conservée ou l’attraction pour laquelle vous avez fait une heure de queue. Ça peut. Mais ça peut être aussi le stylo devant vous, un caillou dont vous aimez la forme, votre sac que vous avez sous les yeux tous les jours à la maison. Tout aura sa place dans votre carnet et tout fera souvenir.

Comme je vous le disais, j’aime garder des traces des expos (parfois, juste un détail, debout). Je tente aussi les portraits et, s’ils semblent réussis, je peux vous assurer que la ressemblance est la plupart du temps très lointaine. Ça n’est pas grave, je vais persévérer pour progresser et je finirai bien par y arriver.

Parfois, le sujet m’est « imposé » parce qu’on a un moment de latence et que je prends ce qui est devant moi.

Je ne décide par contre jamais à l’avance « je ferai ça » parce que je ne veux pas m’imposer quoi que ce soit. Je me laisse vivre, je vois ce qui vient quand ça vient. Et je vous recommande de vous lancer dans un carnet de croquis vacances dans le même état d’esprit.

Achever ou non son carnet de croquis

Le carnet ne sera pas fini mais ça ne me pose aucun problème. J’ai choisi un carnet épais pour ces vacances parce que je ne voulais pas me limiter (je vous ai mis la référence en fin d’article). De plus, je faisais plusieurs sauts de puce à des endroits différents et avec des personnes différentes, je me disais que j’aurais l’occasion de varier.
Il y aura donc une section « Vacances d’été 2025 » dans le carnet et la suite sera les croquis « normaux ».

Si vous, vous voulez éviter ça, vous pouvez :

• prendre un carnet avec un nombre raisonnable de pages (le mien contenait 104 pages ; si je compte mon nombre de jours loisirs/vacances, ça aurait fait une moyenne de 4 croquis par jour, ce qui est très ambitieux pour moi si je suis avec des personnes dont j’ai envie de profiter (et qui ne dessinent pas)) ;
• dessiner mais également coller des souvenirs (je regrette de ne pas l’avoir fait plus) ;

Différents types de collages dans mon carnet

• dédier des pages non pas à un croquis proprement dit mais à un « intercalaire », une page de titre, pour chaque nouvelle activité/journée/destination
• prendre un carnet avec des pages facilement amovibles (spirales, pré-perforées) et retirer le surplus en fin de voyage
• n’utiliser que des feuilles volantes en vous fixant un format max et en gardant une marge sur le côté gauche et les relier en fin de séjour
  (Franchement, mon option préférée mais ça demande un peu de savoir-faire, on en reparle un de ces jours )

Et bien sûr, vous pouvez mixer les points ci-dessus à votre guise !

Vous pouvez aussi décider de faire deS carnetS deS vacances : c’est à dire d’entamer un carnet une année, de le continuer aux vacances suivantes, d’avoir un carnet d’avance (le même ou non) pour enchaîner sans coupure particulière et faire ainsi de suite d’année en année.

Mon carnet de croquis – Sketchbook tour

La grande majorité de mes croquis sont publiés au fur et à mesure dans la galerie de croquis. Mais si vous voulez voir d’un coup la totalité des croquis du carnet (à ce jour !), voici une vidéo où je tourne les pages depuis le début :

Graduate Book Dessin
Canson
Grain léger
160 g/m²
52 feuilles
Certification FSC

Et vous alors ? Vous avez fait des croquis cet été ? Vous m’en parlez ?

Mes articles sur les carnets de croquis / de voyages :

* : Si vous n’êtes pas familier·ère avec les notions ci-dessous, vous pouvez aller lire l’article avant de poursuivre votre lecture.

Vos fiches peuvent servir à reprendre telles quelles les informations fabricant pour les avoir toutes au même endroit et de la même façon ou, au contraire car parfois cela diffère, à noter vos propres constats (quand cela est possible, on a pas tous une lampe de test professionnelle à la maison !).

Il y a plusieurs façon de faire et à vous d’inventer la vôtre. Mais voici mes réflexions et mes choix, si ça peut vous inspirer

Le papier

La première question à se poser est celle du papier sur lequel on va le faire. Bien sûr, si on veut des tests qui soient représentatifs, il vaut mieux prendre le même papier que celui qu’on utiliserait pour une composition. Et bien sûr, vu le prix du papier, on hésite.

Si vous tenez à du papier 100 % coton pour vos fiches, le papier Hahnemühle Expression est un des moins chers, si ce n’est le moins cher. Il ne sera peut-être pas d’une aussi belle qualité qu’un Arches ou un Canson Héritage mais pour l’usage, c’est peut-être un excellent compromis. (Et pour ma part, dès que j’en vois en solde, je vais en acheter de toute façon.)

Vous pouvez aussi décider qu’un papier cellulose suffit (la dispersion ne sera pas la même, par exemple, mais elle peut varier d’un papier coton à un autre de toutes façons).

Le format

Au niveau du format des fiches, je me dis qu’il vaut mieux se caler sur un format existant pour profiter d’éventuels accessoires ; je pense notamment à des pochettes de rangement.

Je vois deux pistes :

• se caler sur des cartes de visite, car on trouve facilement des fournitures – pochettes, classeurs, boîtes probablement.
  J’ai par exemple trouvé un classeur pour ranger 120 fiches pour 7,79 €
• se caler sur des cartes de jeu, car là aussi on trouve des fournitures, peut-être un peu moins partout mais – après une seule recherche rapide – on peut y gagner niveau prix.
  J’ai par exemple trouvé des pochettes pour ranger 180 fiches pour 5,50 €

Dans tous les cas, vérifiez bien le format prévu par votre accessoire car il y a plusieurs normes (pour les cartes de visite comme pour les cartes de jeux).

Il reste aussi la possibilité, toute bête, de les mettre dans une boîte à carte de visite Avantage : c’est plus facile à manipuler pour faire une sélection. Par contre, elles seront un chouilla moins protégées et il y a moins la satisfaction de les voir les unes à côté des autres (surtout comparé à un classeur A4)

Il y a aussi une troisième (bon, une infinité) option : j’ai testé aussi une « grande » fiche, en format A5 où je profite de la place pour faire une mini peinture en monochrome. Déjà, ça m’entraîne ;), ça me fait m’approprier la couleur et ça permet de la voir « en situation ».

Mieux, je choisis aussi quelques couleurs avec lesquelles je l’imagine bien et je teste le mélange.

À vous de voir, selon vos besoins et vos envies, si vous voulez aller jusque là.

Les informations

À vous de choisir quelles informations vous voulez y faire figurer (voir l’article sur les informations techniques toujours, si vous voulez de l’aide).
Puisque les marques utilisent des symboles différents de l’une à l’autre pour une même information, j’ai choisi de ne garder qu’un seul symbole et de faire la « conversion » (à l’aide du tableau que j’ai mis en fin de ce même article)

Pour ma part, voici ce que j’ai retenu.

« Identité » de la couleur

Tout simplement son nom (en français, en anglais, les deux ; selon votre préférence), la marque et je vous recommande aussi de noter sa référence pour pouvoir la retrouver dans toutes les langues et même si elle change de nom (je ne suis pas sûre que cela arrive, mais bon).

Si vous avez plusieurs gammes (extra fine, superfine, fine) :

• soit vous connaissez le nom des gammes et vous avez l’information avec la marque (ex. : vous indiquez « W&N Cotman » et vous savez que c’est de la fine ou « Sennelier Petite aquarelle » et vous savez que c’est de l’étude) ;
• soit vous prévoyez de l’indiquer ici. Ex. : « EX / SUP / FINE ».

Si vous souhaitez noter son prix / un ordre de prix, cela peut être le bon endroit.

Pigments

À vous de voir si c’est une information que vous souhaitez sous forme détaillée – chaque pigment indiqué par son code, si vous voulez indiquer uniquement le nombre de pigments ou même si la seule indication qui vous intéresse c’est de savoir si c’est mono-pigmentaire ou non.

Pour ma part, même si je ne maîtrise pas vraiment cette donnée, j’ai choisi d’indiquer la liste des pigments. Je vois tout de suite si elle est mono-pigmentaire ou non et si, par la suite, j’ai besoin de savoir quels pigments sont utilisés, je n’aurais pas à aller rechercher les infos.

Résistance à la lumière

J’aurais pu choisir de garder la notation « I II III IV » qui correspond à la norme internationale mais j’ai préféré une échelle de trois :

• parce que je n’ai pas besoin de tant de précision ; en fait, que la résistance à la lumière d’une couleur soit excellente ou très bonne ne changera pas grand chose au moment de la sélectionner ;
• parce que je me suis fait un modèle pré-imprimé et que cela me permet d’inscrire, sur mon modèle, en gris clair, les trois « bâtons » (III) et ensuite, au moment de faire ma fiche, de ne repasser que les « bâtons » correspondants.

Permanence

J’ai choisi de garder la permanence sur mes fiches pour le prendre en compte quand une marque le précise.

Transparence

Voici typiquement une information que vous pouvez préférer tester plutôt que d’indiquer directement la valeur annoncée par la marque.

Si vous avez opté pour un format de fiche de grande taille, vous pouvez avoir la place de faire des tests avec deux, trois couleurs pour avoir un repère visuel en plus de l’information

Granulation

Vous pouvez choisir de mettre la granulation avec la ténacité, sous forme de symbole et en les opposant. Pour ma part, j’ai plutôt choisis de traiter la ténacité/l’adhérence en la testant moi-même. Pour la granulation, je reprends l’information du fabricant.

La granulation devrait, même dans le cas d’une petite fiche, se voir de toute façon. Comme toujours, en fonction du papier, elle sera plus ou moins forte.

Les propriétés testées

Nuances, transparence, granulosité

Je réserve sur ma fiche une zone qui va permettre de juger de la couleur, de sa version la plus intense à se version la plus dégradée. (Hop, l’occasion de s’entraîner à faire des mini-lavis ).

Naturellement, si la couleur granule, je le verrai aussi ici.

Enfin, pour attester de sa transparence, je prépare la zone avec deux gros traits noirs. Le but étant de voir si a quel point ces traits se voient sous la couleur.
NB : Pour tester du noir, vous pouvez faire un rectangle en longueur à la place des traits et voir à quel point le papier apparaît dessous.

Vous pouvez donc choisir d’enlever l’information de la transparence de la partie information.

Dispersion

Mon moment préféré quand je prépare la fiche J’adore voir la couleur se disperser (ou non ). C’est pour moi toute la magie et un des gros intérêt de l’aquarelle. J’aime avoir des couleurs qui se propagent beaucoup.

1. Humidifiez toute la zone du rectangle.
2. Prélevez du pigment sur un pinceau.
3. Venez le déposer au milieu du rectangle et laissez faire.

Adhérence

Un dernier rectangle va vous permettre de voir à quel point vous pouvez retirer de la couleur après séchage. La bonne pratique, il me semble, est de tester au bout de 24 h environ. Moi, je préfère tester juste après séchage, donc au bout de quelques minutes. Tout simplement parce que je sais que je ne reste pas longtemps sur une composition et que si j’ai besoin de retirer de l’intensité, ça sera sûrement dans la continuité et pas le lendemain.

1. Remplissez votre rectangle de couleur.
2. Laissez sécher le temps voulu.
3. Prenez un pinceau humide et venez faire une tache humide au milieu du rectangle.
4. Poser un chiffon propre dessus pour absorber et voyez le résultat.

Et voilà ! Je serai très curieuse de voir vos propres fiches ! N’hésitez pas à dire quels sont vos propres choix dans les commentaires ci-dessous.

En fait, on peut – mais pas que, parce que ça serait trop simple – repérer les pigments :

• PY3, PY74 ou PY154 pour le jaune
• PR122 pour le rouge (ou, en deuxième choix, PV19)
• PB15 pour le bleu (PB15:6 à tendance rougeâtre et PB15:3 à tendance verdâtre)

(voir Liste de couleurs (pigments) sur Wikipédia)
Bien sûr, comme c’est une couleur qui sera destinée à être mélangée souvent, elle est mono-pigmentaire.

(Et si cette histoire de pigments n’est pas claire pour vous, vous pouvez aller voir l’article Informations techniques des aquarelles à comprendre avant d’acheter)

Néanmoins, parfois, ce sont d’autres pigments selon les recommandations des marques.

Voici donc, ci-dessous, de quoi se repérer ! (nom de la couleur, pigment correspondant et référence)
Les couleurs marquées * sont celles qui m’ont été directement indiquées par le fabricant.
Sauf mention contraire, il s’agit d’aquarelles extra-fines.

Chez Blockx

• Jaune primaire (PY154) – 4.x.313
• Quinacridone magenta (PR122) – 4.x.329
• Bleu primaire (PB15:3) 4.x.152

Chez Daler-Rowney

Gamme Artist’s

• Jaune citron (PY3) – 651
• Magenta quinacridone (PR122) – 414
• Bleu de phtalo teinte rouge (PB15) – 139
  Bleu de phtalo teinte verte (PB15:3) – 140

Gamme Aquafine (aquarelle super-fine)

• Jaune citron (PY3) – 651 *
• Vermillon (PR255) – 588 *
  La couleur correspondant au PR122 est le magenta quinacridone – 414
• Bleu céruléum (PB15 / PW6) *
  La couleur correspondant au PB15 est le bleu de phtalo – 142

Chez Daniel Smith

• Jaune Hansa clair (PY3)
• Quinacridone lilas (PR122)
• Nuance de bleu de manganèse (PB15)
  Bleu phtalo GS (vert) (PB15:3)
  Bleu phtalo RS (rouge) (PB15:6)

Chez Isaro

• Jaune Isaro clair (PY154) – A16 *
• Bleu phtalo (PB15:3) – A07 *
• Rouge scarlet (PR255) – A32 *
  et Rose Isaro (PR122) – A27 *
  La couleur correspondant au PV19 est le Magenta – A18

Chez Lukas

• Jaune citron (PY3) – 1021 *
• Magenta (PY122) – 1051 *
• Cyan (PB15:3) – 1118 *

Chez MaimeriBlu

• Jaune primaire (PY97) – 116 *
• Rouge primaire magenta (PV19) – 256 *
• Bleu primaire cyan (PB15:3) – 400 *

Chez QoR

• Jaune benzimadazolone (PY154) – 126 *
  ou jaune Hansa clair (PY3) – 110 *
  ou jaune vanadate de bismuth (PY184) – 115 *
• Magenta quinacridone (PR122) – 265 *
  ou rouge quinacridone (PV19) – 235 * si vous préférez
• Bleu phtalo nuance verte (PB15:3) – 345 *

Chez Royal Talens

Gamme Rembrandt

• Jaune azo clair (PY154) – 246
• Rose magenta quinacridone (PR122) – 368
• Bleu phtalo rougeâtre (PB15) – 583
  Bleu phtalo verdâtre (BP15) – 576

Chez Schmincke

Gamme Horadam

• Jaune cadium clair (PB35) – 224 *
  ou jaune cadium clair (PB35) – 224 *
  La couleur correspondant au PY3 est le Jaune citron – 215
• Magenta (PV42) – 352 *
  La couleur correspondant au PR122 est le magenta pourpre – 367
• Hello céruléen (PB15:3) – 479 *
  Autre couleur correspondant au PB15, le bleu phtalo (PB15:1) – 484

Gamme Akademie (aquarelle fine)

• Nuance de jaune cadium (PY151) – 224 *
  La couleur correspondant au PY3 est le Jaune citron clair (PY3) – 16 222
• Magenta (PV42) – 336 *
• Cyan (PB15:3) – 448 *

Chez Sennelier

• Jaune primaire (PY74) – 574
  à noter, le jaune citron (PY3) – 501
• Rouge quinacridone (PR209) – 679
  à noter le pourpre hélios (PR122) – 671
• Bleu phtalo vert (PB15:3) – 326

Chez St Petersburg – White Nights

• Citron (PY3) – 214
  Jaune (PY154) – 211
• Rose quinacridone (PR122) – 324
• Azur (PB15) – 513
  Bleu (PB15:6) – 515

Chez Winsor & Newton

Gamme professionnelle

• Citron Winsor (PY175) – 722 *
  Le jaune correspondant au PY154 est le jaune Winsor (PY154) – 730
• Rose permanent (PV19) – 502 *
• Bleu Winsor nuance rouge (PB15) – 709 *
  Autres couleurs correspondant au PB15 : Bleu Winsor nuance verte – 707 et Nuance de bleu de manganèse – 379

Et voilà, vous avez de quoi entamer une bonne palette qui pourra déjà vous emmener loin en un minimum d’investissement

* Information du fabriquant, je remercie d’ailleurs Daler-Rowney, Daniel Smith, Isaro, Lukas, MaimeriBlu, QoR, Smincke et Winsor & Newton.

Chaque couleur aquarelle a ses spécificités. Sa transparence, sa résistance à la lumière, son nombre de pigments nécessaires à sa fabrication, etc. sont autant d‘indications qu’il peut être intéressant prendre en compte au moment de vos achats et de votre utilisation.

Encore faut-il savoir que ces propriétés existent et pouvoir les comprendre !

Savoir lire les étiquettes de ses aquarelles, alors même que tous les fabricants n’utilisent pas les mêmes échelles, peut s’avérer compliqué. Et parfois, on ne trouve les indications qu’en anglais.

Pour vous aidez (enfin, à la base, pour m’aider moi, mais je partage !), voici les différentes infos et les échelles que j’ai trouvé et ce qu’elles signifient.

Les propriétés

Gamme

Au moment de la fabrication de la peinture, le pigment est broyé plus ou moins. Plus il est broyé finement, plus la peinture est de qualité. La première gamme est nommée « fine » ou « étude » ou « studio » ; puis vient la « superfine » et, la meilleure qualité est l' »extra-fine« .

L’aquarelle fine peut-être intéressante pour les petits budgets et/ou pour débuter.
Elle est aussi utile pour faire des fonds ou quand on en a besoin en grande quantité.

Pour que cela soit plus drôle (!), les fabricants donnent parfois un nom à leurs différentes gammes et c’est uniquement ce nom qui est indiqué !

Sachez que vous avez affaire à de l’extra-fine (donc la meilleure gamme) si c’est écrit :

• Artist ou Professional chez Daler-Rowney
• Professional chez Winsor & Newton
• Aquarell 1862 chez Lukas
• Horadam chez Schminke
• L’Aquarelle chez Sennelier
• Rembrandt chez Royal Talens
• + la gamme granuleuse de Daniel Smith, PrimatTek
• Isaro ne fait que des l’aquarelle extra-fine

Parmi les noms utilisés pour de la super-fine, vous trouverez :

• Cotman chez Winsor & Newton
• Aquafine chez Daler-Rowney
• Van Gogh chez Royal Talens

Pour de la fine, vous pouvez trouver les indications suivantes :

• Akademie chez Schmink
• Studio chez Lukas
• La petite aquarelle chez Sennelier

Je ne fais, pour l’instant, pas de grand format et j’en suis à une étape où j’essaye de me perfectionner, j’ai donc envie de n’acheter que de l’extra-fine. Quitte à acheter moins de couleurs ce qui m’aidera grandement à me perfectionner sur les mélanges

Pour simplifier, voici ce que je garde en tête au moment de mes achats :

Pigment(s)

Une couleur a été fabriquée à l’aide de un ou plusieurs pigments. Plus une couleur contient de pigments, plus vous risquez les surprises au moment où vous allez vous même la mélanger à une autre.
Mais bon, ça se teste tout ça

Le pigments est indiqué à l’aide de l’index des couleurs composé d’une première lettre, qui indique si le pigment est de synthèse ou naturel, d’une ou deux autres lettres qui indiquent sa gamme de couleur et enfin un numéro pour désigner précisément le pigment :

• « P » pigment de synthèse
• « N » pigment d’origine naturelle

• B = Blue : bleus, turquoises
• Bk = Black : noir, gris
• Br = Brown : brun, certains jaunes
• G = Green : verts, turquoises
• O = Orange : orange, brun
• R = Red : Rouges, roses, certains pourpres, marrons
• V = Violet : violets, bleus violacés, roses
• W = White : blanc
• Y = Yellow : jaunes, jaunes orangés

Exemple : « PBk6 » est le pigment de synthèse noir de fumée.

À mon niveau, je regarde seulement de combien de pigments la couleur est constituée. Je ne me pose pas de question quand il n’y en a qu’un seul ; je commence à hésiter quand il y en a trois. Cela dit, si une couleur est très particulière et me plaît, il est tout à fait pertinent que je l’achète pour l’utiliser telle qu’elle.

Si vous souhaitez creuser, vous pouvez aller voir les pages Liste de couleurs (pigments) et Colour Index de Wikipédia.

Résistance et permanence

La résistance à la lumière concerne l’exposition… à la lumière (quelle soit naturelle ou artificielle).
Le mot permanence est utilisé différemment selon les fabricants mais si vous le voyez dans une fiche technique de vos couleur aquarelle, il est possible que cela fasse référence à la tenue à la lumière.

Résistance à la lumière / Lightfastness / Solidité

Selon la norme ASTM D4303 (en) :

• I : Excellente résistance à la lumière (+100 ans dans des conditions normales, 3 à 4 mois en exposition directe l’été)
• II : Solide / Very good (entre 50 et 100 ans dans des conditions normales, 6 à 8 semaines en exposition directe l’été)
• III : Peu solide / Fair/Non-permanent (entre 15 et 50 ans dans des conditions normales, 2 à 5 semaines en exposition directe l’été)

Sachez qui si vous tombez sur une référence « BWR » alors :

• 8 et 7 correspondent au niveau I
• 6 au niveau II
• 5 et 4 au niveau III
• 3, 2 et 1 aux niveaux IV et V

Vous verrez aussi la résistance à la lumière indiquée avec des étoiles. Certains seront sur une échelle de cinq niveaux, d’autres sur trois niveaux :

• ***** ou *** Extrêmement résistant / Extremely lightfast
• **** ou ** Bonne résistance / Good lightfast
• *** ou * Résistant / Lighfast
• ** Assez résistant / Limited lightfast
• * Peu résistant / Less lightfast

Enfin, vous pouvez aussi voir la résistance à la lumière notée avec des plus :

• º : 0 – 10 ans sous éclairage de musée
• + : 10 – 25 ans sous éclairage de musée
• ++ : 25 – 100 ans sous éclairage de musée
• +++ : 100 ans minimum sous éclairage de musée

NB : J’ai fais un tableau récapitulatif en fin d’article qui devrait vous aider à vous y retrouver entre les différentes marques.

Permanence / Stabilité / Permanence

Comme vu plus haut, le mot permanence peut être utilisé dans le sens de résistance à la lumière. Mais certaines marques l’utilise pour parler de la résistance d’une couleur dans le temps.
Vous la trouverez notamment chez Winsor & Newton sous forme de lettres (il semblerait qu’on peut aussi la trouver sous forme d’étoiles (oui, oui, alors que les étoiles sont aussi utilisées pour la résistance à la lumière) mais je n’ai pas trouvé d’exemple) :

• AA : Extrêmement permanent
• A : Permanent
• B : Moyennement permanent

Permanence et résistance

Sans qu’il ait de valeur objective, voici un tableau récapitulatif personnel ayant pour but de simplifier et de ne garder que trois valeurs :  

Transparence vs. opacité / Coverage

La transparence fait partie des spécificités de l’aquarelle. Plus une couleur est transparente, plus le papier dessous, souvent blanc, ressortira et plus la couleur sera lumineuse.

Je privilégie donc uniquement les couleurs transparentes ou semi-transparentes. Cela dit, cela correspond à là où j’en suis actuellement. Une couleur opaque n’est pas une mauvaise couleur et on peut la préférer par goût ou selon ce que l’on souhaite faire dans un cas précis.

Sur les fiches techniques des couleurs, la transparence est souvent notée de la même façon : un carré.
Restez tout de même vigilants : j’ai déjà vu la transparence indiquée sous forme de rond (chez Daniel Smith par exemple) ; voyez s’il y a une légende. D’autant plus que le rond est utilisé pour la ténacité par d’autres (QoR par exemple).

Revenons à notre symbole pour la transparence :

• S’il est blanc (vide), la couleur est transparente ;
• barré, la couleur est semi-transparente,
• à moitié noir : couleur semi-opaque
• et enfin, totalement noir (plein) pour une couleur opaque.

NB : Parfois, semi-transparent et semi-opaque sont réunis sous une même notion et sont indiqués par le symbole à moitié rempli.

Vous pouvez aussi trouver cette indication avec les lettres (S)T/O.

• T : Transparent / transparent
• ST : Semi-transparent / translucent (attention « St » est parfois utilisé pour la ténacité. Voir ci-après)
• SO ou T/O : Semi-opaque / frosted
• O : Opaque / opaque

Ténacité / couleur teintante / adhérence / Staining

On parle de ténacité ou de couleur teintante pour désigner une couleur qui teintera le papier et sur laquelle il sera difficile de revenir. Une couleur peu teintante peu donc être « enlevée » du papier avec de l’eau. Une couleur teintante est aussi dite colorante ; elle peut avoir tendance à prendre le pas dans les mélanges, c’est important à prendre en compte !

À savoir néanmoins : la tenacité dépend beaucoup du papier. Pour cette raison, certains fabricants ne la renseigne pas.

Une couleur teintante peu être notée par un rond plein. Une couleur peu teintante est alors notée par un rond vide. Attention, certaines marques vont utiliser un triangle ou même un losange pour indiquer une couleur très adhérante.
Vous pouvez aussi la trouver sous forme d’une échelle de 1 à 4, voir en toutes lettres :

• 1 / Non teintant / No staining
• 2 / Peu Teintant / Low staining
• 3 / Teintant / Medium / Moderate staining / St
• 4 / Très teintant / Hight / Heavy staining

On oppose à la ténacité le fait qu’une peinture granule (voir juste après). Vous pouvez donc parfois. trouver une échelle à quatre niveaux avec un rond à moitié plein et un rond barré marquant l’intermédiaire entre teintant et granuleux.

Ganulosité / granulation

La granulosité est souvent traitée à part.

La granulosité c’est donc un effet de matière que peut donner l’aquarelle. C’est un élément qu’on peut soit fuir, soit au contraire rechercher. Les pigments d’une couleur granuleuse vont très légèrement se rétracter donnant une texture qui peut donner de l’irrégularité (très intéressante pour, par exemple, un ciel couvert, de la terre, une pierre, etc.)

La granularité n’est pas toujours indiquée. Quand elle l’est, cela peut être via un « G », un « Y » pour Yes (mais ça sera indiqué dans la légende) et cela peut donc être opposé, comme on l’a vu, à « St » pour la ténacité (Staining)

Série

Vous trouverez aussi souvent un numéro de série qui se réfère à la gamme de prix du fabricant. Au sein d’une même « qualité » (extra-fine, super-fine, fine), le prix peut varier en fonction du ou des pigments utilisés car ils sont plus ou moins chers.

En résumé

Donc, pour ma part, au moment d’acheter une couleur aquarelle je privilégie :

• de l’extrafine ;
• « I » ou « *** » et plus pour une couleur suffisamment résistante à la lumière ;
• un carré blanc ou barré pour une couleur transparente ou semi-transparente ;
• constituée d’un ou deux pigments
  (mais si une couleur me plaît beaucoup telle quelle et qu’elle a plus de pigments, je ne m’arrête pas).

Bien sûr, le prix est aussi un critère important et propre à chacun, ses possibilités et ses objectifs.

Faites-vous, vous aussi, votre mémo en fonction de vos critères pour avoir toutes les infos dont vous avez besoin au moment de choisir

Attention, il peut tout à fait arriver que vous constatiez des différences entre les déclarations des marques et vos constats. Cela peut venir du mode de qualification des marques, mais il y a aussi des propriétés qui varient beaucoup selon le type de papier. La meilleur solution : tester. Cela permet de bien connaître ses couleurs et de se les approprier.

Si vous voulez creuser ce sujet, vous pouvez aussi aller voir la très chouette vidéo de Remy Lach qui interviewe le chimiste de chez Daler-Rowney. C’est long mais plein d’explications !

Tableau récapitulatif des lettres et symboles par marque d’aquarelle

Chez…	…si vous avez ça…	…et ça…	…cela veut dire :
PIGMENT
Toutes les marques	« P » et 1 ou 2 lettres		→ Pigment synthétique
	« N » et 1 ou 2 lettres		→ Pigment naturel
	« P » ou « N » et	B	→ Pigment bleu ou turquoise
		Bk	→ Pigment noir
		Br	→ Pigment brun, éventuellement jaune
		G	→ Pigment vert ou turquoise
		O	→ Pigment orange ou brun
		R	→ Pigment rouge, rose, pourpre ou éventuellement marron
		V	→ Pigment violet, bleu violacé ou rose
		W	→ Pigment blanc
		Y	→ Pigment jaune
RÉSISTANCE À LA LUMIÈRE
	I		→ Excellente
	II		→ Très bonne
	III		→ Bonne
(se réfère à la norme mais diffère dans la légende)	I ou ***		→ Très bonne
	II ou **		→ Bonne
	III ou *		→ Moyenne
	****		→ Permanent
	***		→ Normalement permanent
	**		→ Modérément permanent
	*		→ Faiblement permanent
(se réfère à la norme mais diffère dans la légende)	I		→ Excellente (niveau I)
	II		→ Très bonne (niveau II)
	III		→ Correcte (niveaux II et III)
	IV		→ Faible (niveau III et IV)
	*****		→ Excellente
	****		→ Bonne
	***		→ Correcte
	**		→ Limitée
	*		→ Faible
	–		→ Aucune
	***		→ Très bonne
	**		→ Bonne
	*		→ Correcte
	→ Pas d’indication car toutes leurs couleurs sont de niveau I
	+++		→ Très bonne
	++		→ Bonne
	+		→ Moyenne
	°		→ Faible
TRANSPARENCE
	Rond vide		→ Transparente
	Rond à moitié plein		→ Semi-transparente
	Rond plein		→ Opaque
	Carré vide		→ Transparente
	Carré barré		→ Semi-transparente
	Carré à moitié plein		→ Semi-opaque
	Carré plein		→ Opaque
	Carré vide		→ Transparente
	Carré à moitié plein		→ Semi-opaque
	Carré plein		→ Opaque
	T		→ Transparente
	B		→ Semi-transparente
	O		→ Opaque
TÉNACITÉ
	Rond vide		→ Teintante
	Rond barré
	Rond à moitié plein
	Rond plein		→ Non teintante (granuleuse)
	1		→ Non tenace
	2		→ Peu tenace
	3		→ Moyennement tenace
	4		→ Très tenace
	S		→ Tenace
	N		→ Non tenace
	Losange plein		→ Tenace
	Triangle vide		→ Non tenace
	Triangle à moitié plein		→ Semi-tenace
	Triangle plein		→ Tenace
	St		→ Tenace (opposé à G, granuleuse)
	Rond à moitié plein		→ Semi-tenace
	Rond plein		→ Tenace
GRANULOSITÉ
	Rond plein		→ Granuleuse
	N		→ Non granuleuse
	Y		→ Granuleuse
	X		→ Granuleuse
	G		→ Granuleuse

En commençant cet article, je ne pensais pas y passer autant de temps. Mais finalement les informations qui semblaient contradictoires, les informations parfois difficiles à trouver sur les sites des marques et la clarification de tout ça a demandé de beaucoup creuser. Autant de temps que je souhaite donc vous avoir épargné

J’espère avoir pu vous aider à vous y retrouver un peu, à comprendre vos tubes et à faciliter vos achats !

À propos de vos achats d’aquarelle, vous avez peut-être des difficultés à trouver les bonnes couleurs primaires selon les marques ; il y a un article pour ça :
Quelles couleurs primaires à l’aquarelle ?

Tous les tests ont été fait avec les mêmes pastels (pastel à l’écu Sennelier). Sur chaque essai, le reflet blanc sur la gauche permet de visualiser la superposition des couleurs.

Mes préférés ? Cela dépendra bien sûr de mon sujet et de l’effet que je voudrais donner mais j’aime beaucoup la texture du « System 3« , celle du « Vergé » (qui ne doit pas être cher, je m’en sors bien) et, dans un tout autre style, l’exceptionnelle texture du « Velour » (qui lui coûte cher).

J’aime les livres et j’aime encore plus les livres pour enfant et j’ai eu envie d’orienter mon choix vers un livre sur l’art. Je suis donc aller faire quelques repérages et voici les livres qui me tentent …et pourrait vous tenter aussi !

(Bon, il y a un risque que je prenne deux exemplaires pour en avoir aussi un pour moi :p )

Du 17 octobre au 20 novembre 2020
Carte des librairies participantes

Des livres d’art pour enfant

L’art des tout-petits

Le tour de force de ce livre est de s’adresser aux tout-petits et de soulever des points qu’on aurait pu me proposer comme axe de réflexion lors de mes études d’histoire de l’art

Ce côté, finalement assez anecdotique mis à part, ce livre propose des images issues d’œuvres d’art adaptées aux bébés, classées par couleur et avec des formes très variées.

À partir de 1 an
14,90 €
Éditions Palette

L’art en formes : Sonia Delaunay

Plus que de découvrir l’art : créer soi-même ! Grâce à des autocollants repositionnables, l’enfant peu créer ses propres tableaux en regard de l’original. Le côté ludique est relayé par les formes colorées, contrastées des tableaux de Sonia Delaunay qui devraient réjouir l’œil des plus petits.

Sylvie Delpech et Caroline Leclerc
À partir de 3 ans
7,50 €
Édition Palette

Où est passée Rainette ?

À travers l’histoire de la malicieuse Rainette, on se promène dans le jardin de Giverny et dans les tableaux de Claude Monet. D
Les illustrations sont des évocations de l’art de Monet, pas les toiles du maître reproduites.

À partir de 4 ans
14,20 €
Éditions Élan vert

ABC D’ART

Le classique abécédaire, mais avec des images d’œuvres d’art ! Cela paraît si évident maintenant (et bien sûr ça n’est pas le seul).

Celui-ci est sobre, accessible aux petits et plein d’humour. Un exemple ? La lettre E, c’est « écouter » avec un portrait de Van Gogh dont l’oreille (coupée) et sous un bandage !

À partir de 5 ans (voir moins)
10,90 €
Éditions Milan (pas plus visible dans leur catalogue en ligne. Dispo, par exemple, chez Les Libraires)

L’art pas bête

S’il y a bien un truc que j’aime, ce sont les questions « d’enfant ». Et si je mets des guillemets à enfant, c’est que parfois leurs questions nous renvoient, nous adultes, à nos propres interrogations …sans forcément de réponse

À quoi ça sert l’art ? Pourquoi Picasso est-il connu dans le monde entier ? Combien ça coûte un tableau ? Qui a inventé l’impressionnisme ? Pourquoi il y a des chaises exposées au musée ? Et bien d’autres questions auxquelles je ne répondrais pas forcément facilement et dont les réponses m’intéressent.

À partir de 7 ans
14,90 €
Bayard éditions

Les deux paysages de l’empereur

Voici un très bel album : de belles illustrations, une belle histoire, des caractères chinois disséminés et un mini-documentaire dans un livre à déplier (jusqu’à un mètre de large).

Les deux paysages de l’empereur parlent de peinture, de création, de différence, de observation de la beauté…

De Chun-Liang Yeh et Wang Li
À partir de 8 ans
18 €
Éditions HongFei

Mes remerciements aux éditions HongFei
Chez le même éditeur, voir aussi ma chronique sur Le Calligraphe

Le musée des jeux
Tome 2

Quoi de mieux que des jeux pour faire découvrir l’art à un enfant ? Voici plus de 100 jeux réunis dans un livre autour parcourant l’art à travers les époques et les civilisations.

De Vincent Péghaire
12,90 €
À partir de 8 ans
Éditions Palette

Ernest Pignon-Ernest – Comme des pas sur le sable

Le street-art a le vent en poupe et pourquoi pas commencer par l’un des premier street-artiste ? De l’anecdote de son nom à ses combats, le livre présente l’artiste et le courant.

De Rémi David, Coline Zellal et Ernest Pignon-Ernest
8,50 €
À partir de 8 ans
Éditions À dos d’âne

Le Cheval qui ne voulait plus être une œuvre d’art

Encore un peu d’humour mais aussi une réflexion sur les œuvres d’art dans cette BD se déroulant dans le musée du Louvre et dont le personnage principal est… un tableau de Géricault : Tête de cheval blanc.

De Olivier Supiot
14,50 €
Éditions Delcourt – Le Louvre

Mes remerciements aux éditions Delcourt
© Éditions Delcourt, 2016 – Supiot

Fechamos

À travers une fiction inspirée de l’incendie qui a ravagé, en 2018 le musée national de Rio de Janeiro, ce livre sensibilise à l’importance de la valorisation des œuvres et à ce qu’elles peuvent nous apporter à chacun et chacune individuellement.

De Gilles Baum et Régis Lejonc 
À partir de 9 ans
15 €
Les éditions des éléphants

Mes remerciements aux éditions des éléphants

Basquiat, le grand baz’art

Si le trait particulier de Jean-Michel Basquiat peut d’abord faire penser à l’enfance, ce livre là sera idéal pour les plus grands. Basquiat est un artiste passionnant, dont l’histoire, les combats, reflètent les difficultés et les injustices de notre époque.

Notez que le livre contient un petit pas-à-pas pour faire sa propre œuvre « à la Basquiat »

14,50 €
Revue DADA

Ce n’est bien sûr qu’une toute petite sélection parmi les merveilles qui existent. J’aurai pu aussi vous parler d’Éclats de lune – sur la fabrication des pinceaux, de Dragons de poussière – qui parle de calligraphie, de Qu’est-ce qu’elle a donc cette Joconde – écrit par Vincent Delieuvin, grand spécialiste de Léonard de Vinci et conservateur au musée du Louvre, de En Chemin avec Matisse a qui le centre Beaubourg consacre une rétrospective actuellement ou encore du Chat de Gustave Klimt.

Donnez à lire

Du 17 octobre au 20 novembre 2020 :

1. Choisissez un livre jeunesse dans une librairie indépendante participant à l’opération
2. Ajoutez-le à vos achats
3. Confiez-le à votre libraire qui le donnera au représentant du Secours populaire
4. Le livre sera offert à un enfant accompagné par le Secours populaire

Et je rajouterai bien un 5e point : venez commenter ci-dessous pour nous dire quel livre vous avez finalement choisi

Mon choix (mise à jour – 29/10/20)

Je suis allée dans la chouette librairie Arborescence (Massy, 91) et j’ai finalement opté pour Eugène Delacroix aux éditions « Quelle histoire », les libraires m’ayant assuré que c’était une bonne collection, appréciée des enfants. J’étais ravie car j’ai toujours trouvé leurs illustrations adorables.
Je suis donc passée en caisse et j’ai mis mon livre dans la boîte « Donnez à lire »

Et je vous encourage vivement à en faire autant ; c’est instructif et c’est probablement autant de mini-expérience engrangée pour vos aquarelles futures !

Matériel

Les pinceaux comparés sont :

• un pinceau à lavis petit-gris pur de la marque Leonard no 72 (1) ;
• un pinceau à poils synthétiques, plat et biseauté de chez Daler-Rowney « Graduate » 1/2 (2) ;
• un pinceau en martre kolinsky (très réputé en aquarelle et très cher) de Raphaël 8413 taille 4 (3) ;
• un pinceau à réservoir d’eau, poils synthétiques, de Faber-Castel (4).

La couleur est un alizarine cramoisie de Daler-Rowney utilisé pur, en jus. Je l ‘ai préparée en avance de sorte à en avoir assez, sans modifier une seule fois le jus, pour les huit tests.

Le papier utilisé est du 200 g No 3 de Gerstaecker.

Résultats

Dans les huit cas, j’ai fait à peu près les mêmes gestes : une spirale façon fleur et une courbe. Puis j’ai rajouté des petites touches (en bas à droite).

Sur papier sec :

Dans le mouillé :

Il n’y a pas d’enseignement unique à en tirer. L’important, c’est de constater et de connaître les différents comportements ; cela permet de faire le bon choix en fonction de l’effet désiré le jour où

Il ne s’agissait pour moi que de croquis ; chacun a donc été fait en quelques minutes et sur une petite surface. Je les ai fait les uns à côté des autres, les uns après les autres. Pourquoi est-ce que c’est important de vous dire ça ? Parce que c’est aussi ce qui donne la valeur à l’exercice : on teste, on voit la réaction, on ajuste sur le suivant, on compare, etc.

Voici donc mes six tentatives, chacune m’ayant servie d’apprentissage pour la suivante.

Premier essai. Croyez-moi sur parole, le fond était bien. J’ai utilisé le pinceau à lavis pour faire deux traces, plutôt verte et plutôt bleue, l’une sur l’autre et suggérer des silhouettes d’arbres avec des tapottis.

C’est pour le premier plan que cela s’est gâché. Probablement trop d’eau ; des traces bien trop larges… Bref, essai suivant !

La première étape était la même pour cet essai que pour le précédent. J’ai été timide pour le premier plan et je n’ai fais que des buissons plutôt que des arbres. Bon, c’est moins moche que la première tentative, mais rien de satisfaisant non plus.

Pour un trait plus précis au premier plan, j’ai utilisé un pinceau synthétique ; dans cet essai, comme dans les autres.

Pour l’essai suivant, ça s’est mieux passé même si mes arbres sont un peu… électriques ! Au moins, on voit qu’il y a un arrière plan et un premier plan

Ah ! Premier essai réussi ! Il faut dire que je me suis pas mal éloignée du sujet de base et que je suis allée vers ma zone de confort mais au moins ça m’a donnée des clés pour la suite.

Le cinquième est mon préféré. On distingue presque trois plans : le flou du fond ; c’est-à-dire les deux traces colorées au pinceau à lavis ; un plan intermédiaire, un fois les traces sèches dans une couleur un peu plus chaude et un peu plus soutenue ; enfin, le premier plan, plus net, bien plus foncé. Les petites touffes d’herbe aux pieds des arbres ont permis, à mon sens, d’encore mieux « assoir » ce premier plan.

Le dernier essai est une répétition du précédent. Le fond intermédiaire est plus visible (mais un peu trop régulier). La transparence du premier plan en gâche un peu l’effet.

J’ai fais mes tests sur du papier 200 g Gerstaecker No 3 ; idéal dans ce genre de cas car bien moins cher que d’autres papier aquarelle Néanmoins, il faut garder à l’esprit que selon le type de papier, la peinture ne réagira pas pareil. À un moment, il faut se lancer sur du beau papier aussi

Ce qu’il faut voir et retenir de cet exercice

À mon sens, cet exercice porte sur les éléments qui vont faire ressortir différents plans et donc donner un effet de profondeur. Ça tombe bien, ça n’est pas mon fort

Pour cela :

• utiliser des traces plus diffuses dans le fond (le pinceau à lavis est idéal) et de plus en plus précises vers le premier plan ;
• choisir des tons plus clairs au fond et plus vifs au premier plan ;
• privilégier des tons plus chauds au premier plan (c’est ce qu’indique Nathalie Paradis Glapa ; je ne sais pas quelle est l’explication). – Mise à jour, 27/06/20 : Nathalie est passée nous donner l’explication dans un commentaire ci-dessous. En gros, plus nous regardons au loin, plus cela nous apparaît bleu, la seule couleur froide des couleurs primaire.

Si vous testez aussi, je serai très curieuse de savoir quels sont les enseignements que vous en avez tiré

Les « marronniers » sont les thèmes récurrents à traiter (en journalisme mais dans d’autres domaines aussi) comme Noël et la Nouvelle Année, la Saint-Valentin, la rentrée des classes, les vacances d’été, etc.

En tant que créatifs, cela peut aussi être des thèmes qui nous inspirent et que l’on souhaite traiter …Mais on peut aussi vouloir traiter autre chose, trouver des thèmes liés à l’univers artistique (>Inktober, Ray Day), à la nature (saisons) à des combats (écologie, féminisme), etc.

Voici, à compléter, une nouvelle liste de marronniers
Elle se concentre essentiellement sur des thèmes positifs, culturels ou sociétaux. Elle est bien sûr toute personnelle mais elle peut vous servir d’inspiration

Et si jamais vous vous inspirez de cette liste pour créer quelque chose, surtout, dites-le moi !

Par date

Janvier

• 1er janvier : Journée du domaine public / Public Domain Day – Pour célébrer l’entrée de nouvelles œuvres dans le domaine public
  En 2020, par exemple : James Ensor, Umberto Brunelleschi, Richard Strauss…
  Ça ne semble pas être très actif mais c’est un beau sujet que celui où un élément culturel rejoint la hotte des biens communs
• 11 janvier : Anniversaire de la mort de Giacometti (1966) – #AlbertoGiacometti
• 15 janvier : Anniversaire de Wikipédia – #wikipediaday
• 21 janvier : Journée internationale des câlins / Hug Day – #hugday
  (pour lequel j’avais fait un petit croquis)

Février

• 6 février : Anniversaire de la mort de Klimt (1918)
• 14 février : Journée du don de livre / Book Giving Day – Donner un livre à un enfant
• 18 février : Anniversaire de la mort de Michel-Ange (1564)

En février et sinon en mars, vous pouvez aussi vouloir profiter de Holi pour fêter les couleurs

Mars

• 3 mars : Hina Matsuri : la fête des poupées au japon et une fête que j’adore entre-autres parce que les couleurs vives sont mises à l’honneur et pour l’esthétique japonaise
• 8 mars : Journée internationale des droits des femmes
• 18 mars : Journée mondiale du recyclage
• 19, 20 ou 21 (1) : Printemps, équinoxe de printemps (20 mars en 2020)
• 20 mars : Journée internationale du bonheur
• 21 mars :
  • Journée mondiale de la poésie
  • Journée internationale des forêts / Forest Day
• 22 mars : Journée mondiale de l’eau / World Water Day
• 31 mars : Journée internationale de visibilité transgenre / International Transgender Day of Visibility 

Avril

• 02 avril : Journée internationale du livre pour enfant
• 15 avril : Journée mondiale de l’art
• 18 avril : Journée internationale des monuments et des sites
• 22 avril : Journée mondiale de la Terre / Earth Day
• 29 avril : Journée internationale de la danse

Mai

• 2 mai : Anniversaire de la mort de Léonard de Vinci
• 3 mai : Journée du soleil
• 6 mai : Journée mondiale du coloriage
• 16 mai : Journée internationale de la lumière / Day of Light
• 18 mai : Journée internationale des musées / Nuit européenne des musées
• 21 mai : Anniversaire de la mort de Niky de Saint Phalle (2002)

Juin

• 8 juin : Journée mondiale de l’océan / World Oceans Day
• 10 juin : Anniversaire de la mort de Georges Mathieu (2012)
• 20 ou 21 juin (1) : Été, solstice de juin (20 juin en 2020)
• 21 juin : Fête de la musique

Juillet

• 6 juillet : Journée internationale du baiser
• 13 juillet : Anniversaire de la mort de Frida Kahlo (1954)
• 19 juillet : Journée international des châteaux / Palace Day
• 29 juillet : Anniversaire de la mort de Van Gogh (1890)

Août

• 12 août : anniversaire de la mort de Jean-Michel Basquiat (1988)
• 19 août : Journée Mondiale de la photographie / World Photo Day
• 22 août : Ray’s Day – Le Ray’s Day célèbre la lecture, les auteurs et les livres

Septembre

• 3e week-end : Journées européennes du patrimoine
  Sur le site du Conseil de l’Europe, liste des événements sur le site du gouvernement français
• 9 septembre : Anniversaire de la mort de Toulouse-Lautrec (1901)
• 21 septembre : Journée internationale de la Paix
• 21, 22, 23 ou 14 septembre (1) : Automne, équinoxe de septembre (22 septembre en 2020)

Octobre

• Tout le mois : Inktober ou tout autre liste alternative sortie à cette occasion
  (Un exemple parmi tant et tant d’une fidèle d’Inktober)
• 04 octobre : Journée mondiale du sourire / World Smile Day
• 19 octobre : Anniversaire de la mort de Camille Claudel (1943)
• 22 octobre : Anniversaire de la mort de Paul Cézanne (1906)
• 28 octobre : Journée mondiale du cinéma d’animation – Site de la Fête du cinéma d’animation

Novembre

• Dernier samedi de novembre (en Europe) : Journée sans-achat – Protestation contre la surconsommation
• 3 novembre : Journée internationale de la gentillesse / World Kindness Day

Décembre

• 5 décembre : Anniversaire de la mort de Claude Monet (1926)
• 10 décembre : Journée internationale des droits de l’Homme
• 11 décembre : Journée internationale de la montagne / Mountain Day
• 21 ou 22 décembre (1) : Hiver, solstice de décembre (21 décembre en 2020)

Années internationales

Notez que 2020 est l’année de la santé des végétaux et que 2021 sera l’année de la paix et de la confiance (un sacré thème qu’on peut d’ores-et-déjà commencer à préparer ).

• Liste des années internationales sur le site de l’ONU

Encore ?

Difficile d’avoir des critères pour sélectionner les dates. C’est surtout lié à mes envies du moment probablement.

J’aurais pu aussi y mettre : Hatsuhinode qui consiste au Japon à aller admirer le premier lever de soleil de l’année ; la journée internationale des femmes et filles de science le 11 février, la journée mondiale de la vie sauvage le 3 mars ; le Denim Day le 29 avril (la date change, là c’est pour 2020) ; la journée internationale des infirmières le 12 mai ; journée mondiale du donneur de sang le 14 juin ; la journée mondiale de la dignité des victimes et de la traite d’êtres humains le 30 juillet ; la journée mondiale du potager le 4e dimanche du mois d’août ; la journée mondiale des langues des signes le 23 septembre ; la journée internationale pour l’élimination de la pauvreté le 17 octobre ; le jour de la conscience noire le 20 novembre ou encore la très belle fête des lumières de Lyon le 8 décembre.

Votre propre liste

Vous pouvez vous constituer votre propre liste à l’aide des liens ci-dessous ;

• Liste (non-exhaustive) des Journées internationales sur Wikipédia
• Les fêtes par mois, sur Wikipédia
• Une liste d’anniversaires de peintres et sculpteurs (ma sélection était totalement arbitraire ; comment choisir ?)
• Le site Journée mondiale – Pratique, en page d’accueil, un encart qui liste les journées mondiales à venir
• ou le site Journées Mondiales avec une vue « Agenda complet »
• Commémorations et journées nationales sur Legifrance
• Dans son article sur les challenges dessin, Café Salé liste des challenge par mois

À vous !

Quels thèmes avez-vous retenus ? Allez-vous vous faire votre propre liste ou piocher dans celle-là ?

Prévenez-moi si vous traitez un de ces thèmes

(1) J’ai découverts en préparant cet article que le jour des équinoxes pouvaient varier un peu ; ça explique pourquoi je me trompais souvent (Dates des équinoxes sur Wikipédia)

Un premier livre pour reprendre les bases

J’ai beaucoup envie de progresser en aquarelle et je sens que je stagne. Des cours avec un prof seraient parfaits, mais ça n’est pas évident à caser dans mon emploi du temps. Je regarde des vidéos, je lis des blogs mais ça ne me suffisait pas et je voulais un peu de méthode et de technique. Ce qu’un livre devrait pouvoir m’apporter en attendant mieux.

J’ai cherché des conseils pour faire mon choix mais il y a vraiment beaucoup de livres pour débuter l’aquarelle, tous reprenant à peu près les mêmes exercices comme me le faisait remarquer Coralie. J’ai aussi demandé conseil à Cindy Barillet qui fait à peu près le même constat et propose « Aquarelle, L’eau créatrice » (je me le garde donc dans un coin de ma tête ).

Au final, c’est un peu une question de sensibilité personnelle. Pour ma part, ce que j’aime dans l’aquarelle ce sont les jeux d’eau, la diffusion du pigment de manière plus ou moins contrôlée, etc, je reposais tous les livres dont les exemples me paraissaient trop « propres », trop maîtrisés.

J’ai jeté mon dévolu sur L’aquarelle facile, de Nathalie Paradis Glapa, éditions Mango.

Il me semble que son approche dédramatise, quitte à simplifier un peu, ce qui me paraît une bonne approche pédagogique.
La première chose qui m’a séduite a d’ailleurs été de voir une photo de papier imprimé d’un livre utilisé pour de l’aquarelle. J’aime cet état d’esprit qui ne cherche pas à enfermer la créativité dans des règles et des optimisations techniques.

On sent que l’autrice cherche à nous donner uniquement les informations dont nous avons besoin, sans nous noyer dans des explications techniques qui arriveraient trop tôt. Il y a peu de texte, c’est probablement un livre qui frustrerait ceux qui veulent être guidés vraiment pas à pas ; à mon sens, il convient à ceux qui sont prêts à découvrir et faire leurs propres réalisations dans la direction proposée.

J’ai déjà commencé quelques exercices, les tous tous premiers. Ce sont des choses que j’aurais pu exploiter toute seule mais, curieusement, il semblerait que j’avais besoin du livre pour me « décoincer ».

Je vous montre dans un article qui arrive comment je m’en suis sortie de l’exercice « Des arbres »

Du papier d’essai pour l’aquarelle

L’autre chose qui a aidé, c’est d’avoir acheté du papier aquarelle bien moins cher que le beau papier, dans l’idée de l’utiliser comme papier d’essai. J’ai pris du papier 200 g Gerstaecker No 3 à 14 € au Géant des Beaux-Art pour 65 voir 100 feuilles.

J’ai notamment fait L’exercice des arbres du livre.

Ou plutôt, quel matériel j’emporte moi ; car c’est propre à chacun. Mais cela peut donner des idées, aiguiller (et puis on m’a réclamé ce billet suite à celui sur mon propre carnet de voyage alors !)

Le carnet

La taille dépend de votre sac, votre poche, votre projet…

Une des premières questions à se poser, c’est quelle est la taille du carnet que je veux prendre. Et cela dépend complétement de… la taille de votre sac ou de votre poche !

Un petit carnet qu’on tient dans la main permet de faire des croquis vraiment rapidement, même debout, pour saisir une impression. Une fois assis confortablement, rien n’empêche de prendre plus de temps, d’utiliser une double page, etc.

Si vous prévoyez d’avoir toujours sur vous un sac-à-dos, vous pourriez optez pour un format plus grand. Attention à ne pas trop vous encombrer ; le but est de l’avoir avec vous quand vous en avez envie ; pas de l’avoir laissé dans votre chambre « parce que bon, ce n’est pas sûr que je dessine et ça pèse lourd quand même ».

Pour ma part, j’opte pour le format A5. Même si j’aime m’étaler sur des pages bien plus grandes, ce format rentre dans une majorité de sac et n’est pas très encombrant

De quoi s’appuyer

Je préfère prendre un carnet à spirales. Pour pouvoir le plier et avoir ainsi toujours un appui (il m’arrive fréquemment de faire un croquis assise en tailleur, appuyée sur mes genoux).
Si votre carnet est trop fin, vous pouvez prévoir un morceau de carton de la taille du carnet pour vous appuyer dessus (c’est ce que j’avais fait, mais je n’en ai pas eu besoin).

Si votre grammage se rapporte à votre plumage…

Il peut être difficile de se décider sur le grammage du papier. Plus le papier est épais, moins vous aurez de feuilles ou plus le carnet sera gros. De plus, il sera aussi plus cher. Mais un papier fin ne permet pas toutes les techniques. Si 90 g/m² suffisent pour des croquis au crayon léger, c’est beaucoup trop fin pour moi et mes traits de crayon gras et appuyés (et encore plus pour de l’aquarelle !)

Pour autant, même pour faire de l’aquarelle, je ne trouve pas indispensable de prendre du papier 200, 300 g/m² car cela reste un carnet de croquis (l’objectif n’est pas de faire des œuvres à encadrer mais de s’exercer, d’apprendre, etc.)

J’ai opté pour un carnet 120 g/m². Les pages gondolaient un petit peu quand j’utilisais beaucoup d’eau pour l’aquarelle mais ça ne m’a pas dérangée plus que ça.

Attention au carnet intimidant

Vous êtes devant un rayon de carnets tous plus jolis les uns que les autres ? Vous craquez pour le plus beau et, au moment de faire votre premier croquis dedans… vous attendez de vous exercer un peu pour ne pas gâcher votre si joli carnet ! Ça n’est pas le but ! Ne choisissez pas un carnet trop beau qui va vous intimidez. Au moment où vous faites votre choix, visualisez-vous en train d’y faire le premier croquis, peut-être le plus maladroit ; soyez prêt à « rater » des dessins dedans.

Un carnet ordinaire fera tout à fait l’affaire et vous donnera probablement plus lâcher-prise et donc plus de liberté.

Pour ma part, j’ai même opté pour un carnet « moche » et je ne le regrette pas.

Les outils pour tracer

Bien sûr, toute cette partie dépend énormément de votre ou vos techniques préférées. Il se peut que vous n’ayez besoin que d’un crayon (plutôt sec (H) ou plutôt gras (B) selon vos envies), voir uniquement un stylo bille (avec lequel on peut faire des choses très intéressantes.
Pour ma part, j’ai tendance à vouloir varier et je me charge donc un peu.

Les stylos-feutres

J’aime utiliser des stylos-feutres fins, noirs, soit pour préparer un croquis avant de mettre de la couleur, soit seuls.
Dans le cas où je prévois de faire de l’aquarelle, je dois anticiper la résistance à l’eau des stylos. J’ai ai testé une dizaine parmi laquelle seuls les Fineliners de Winsor & Newton résistent à l’eau.
NB : Ce n’est pas parce qu’un stylo ne résiste pas à l’eau que je ne l’utiliserais pas avec de l’aquarelle ! Les effets rendus peuvent être intéressants.

Les crayons

J’utilise finalement peu de crayons à papier ordinaire. J’aime tester des crayons particuliers : mine de plomb, pierre noire, crayons récupérés à droite à gauche et dont je ne connais pas le nom

L’aquarelle

L’aquarelle n’a pas que des avantages en voyage, loin de là. Il vaut mieux anticiper un peu. L’idéal est d’avoir une petite boîte (je ne parle ici que d’aquarelle en godets ; je n’ai jamais utilisé l’aquarelle en tubes). Parfois, un petit pinceau rétractable est fournis avec la boîte ; ça peut être pratique mais il vous manquera encore un élément indispensable : l’eau.

Une des solutions peut être le pinceau à réservoir d’eau. Attention, on est toujours dans un esprit croquis. Les pinceaux à réservoir d’eau sont bien souvent en poils synthétiques ; il s’agit bien de privilégier l’aspect pratique.
Pour ma part, avec plusieurs croquis par jour, sur du format A5, et en veillant à remplir avant de partir le matin, je n’ai jamais manqué d’eau en balade. Bon, comme je n’aime pas les mauvaises surprises, j’avais également prévu une recharge

J’utilise l’intérieur du couvercle de ma boîte pour faire mes mélanges ; je n’emporte donc pas de palette.

Toujours dans l’idée de ne pas se charger inutilement, il vaut mieux, avant de partir en voyage, avoir testé l’ensemble de ses feutres, crayons, peintures, etc. pour ne prendre que ceux avec lesquels ont a envie de travailler.

Les accessoires

Taille-crayon ou cutter ?

Bien sûr, c’est avant tout une question de goût, d’habitude. Le seul bémol est si vous prévoyez de prendre l’avion avec vos affaires à croquis (ou que vous allez à tout autre endroit où avoir une lame sur soi puisse être problématique).

Celle dont vous n’aurez pas besoin : la gomme

Pourquoi n’aurait-on pas besoin de la gomme ? C’est un petit clin d’œil pour vous rappeler que vous ne devriez pas l’utiliser. Un croquis n’est pas un dessin que l’on essaye de réussir. Un croquis est à la fois un apprentissage et un entraînement pour l’œil et la main. Il est plus intéressant de regarder un trait que l’on trouve faux et de voir pourquoi que de vite le gommer pour se faire plaisir sur le résultat.

Pince(s)

Qui dit travail en extérieur dit risque de vent : prévoyez une ou deux pinces (ou un élastique convenant à la taille de votre carnet) pour maintenir les pages.

Chiffon

Ça ne pèse rien, ça ne coûte rien et, même si vous ne faites pas d’aquarelle, ça peut toujours servir.

Colle ? (scotch ?)

Si vous prévoyez d’agrémenter votre carnet de tickets de musée, métro, emballages, etc. tout ce qui vous rappellera votre voyage, prévoyez un petit tube de colle (soyez prudent si vous optez pour de la glu ; dans la plupart des cas, le bâton d’écolier suffira et vous pourrez toujours faire des retouches au retour).
Vous pouvez également utiliser les scotchs décoratifs mais attention à ne pas en emmener trop ; là encore, ce sont des éléments que vous pourrez toujours ajouter au retour si besoin.

La trousse

Ne vous y trompez pas, le choix de la trousse est important. Si vous emportez beaucoup (trop, comme moi ?) de matériel, il faudra que votre trousse vous permette néanmoins d’attraper le bon outil sans avoir à chercher. On n’est pas toujours bien installé quand on fait un croquis, ni même forcément installé pour longtemps.

J’ai opté pour ce qui est en fait une trousse de toilette, car elle est grande et plate. Elle est un peu plus grande que du A5, ce qui me permet de glisser mon carnet dedans. Elle a une petite poignée : quand je veux emporter mon matériel à croquis, je n’ai qu’à l’attraper et la glisser dans mon sac. Bien sûr, cela veut dire un sac assez grand.

Voilà, les choix que j’ai fait, pour ma part. Les vôtres seront proches ou très différents selon vos habitudes, envies et possibilités ! N’hésitez pas à commenter ci-dessous pour enrichir ce billet de votre avis, de vos impressions et de vos propres conseils

• Pour aller voir le résultat et les croquis du carnet en question : Un premier carnet de voyage.
• Quelques compléments avec Un peu de matériel pour faire du croquis en vadrouille
• Il y a aussi un comparatif de pinceaux dont un pinceau à réservoir d’eau : Comparatif de pinceaux aquarelle.

Il y aurait beaucoup de guillemets à mettre à « voyage ». Ce n’était pas un voyage à proprement dit (avec découverte d’un nouveau pays, par exemple, d’une nouvelle culture, etc.) et le résultat se rapproche beaucoup d’un carnet de croquis. Il y a (vraiment) très peu d’éléments narratifs notamment.

C’était, néanmoins, la première fois que je me donnais comme objectif de prendre un nouveau carnet au début d’un séjour et de le consacrer à ce séjour.

Préparer son carnet de voyage

Pour me préparer, je suis allée chercher des conseils du côté de Cindy Barillet. Mes choix ont été orientés par les aspects pratiques et « dédramatisant ». En effet, je ne voulais pas me « mettre la pression » de « réussir » absolument mon carnet, chaque page, chaque croquis.

Une des astuces des carnets consiste à ne faire tous ses croquis qu’avec une seule technique ; ainsi, on assure un minimum d’harmonie entre les pages. J’ai choisis au contraire de varier. Ce carnet allait en quelque sorte me servir d’entraînement pour un prochain voyage ; c’était une bonne occasion de tester différentes techniques en balade.

Pour l’aquarelle, en plus de ma toute petite boîte dont je ne me lasse pas, j’ai choisi de prendre des pinceaux à réservoir d’eau. C’est en plastique et moins satisfaisant mais c’est bien pratique ! Je ne regrette pas mon choix car cela m’a permis de faire de l’aquarelle sans forcément avoir prévu à l’avance de l’eau, en tailleur dans la voiture sans pot d’eau qui pourrait se renverser, etc. Par contre, ce n’est pas un choix sans conséquence : je pense que le croquis ont moins de subtilités qu’avec un bon pinceau.

Puisque j’allais avoir un sac en permanence avec moi, je me suis permise de prendre tout un ensemble de crayons. Certains, je ne n’ai finalement pas utilisés, d’autres que j’ai utilisé plus que je l’imaginais : j’ai redécouvert mon crayon « aqua scketch » et j’adore son rendu !

J’ai mis le tout dans une grande trousse fourre-tout qui me permet d’emporter beaucoup et d’avoir tout sous les yeux.

Pour le carnet lui-même, j’ai choisi un carnet A5 (puisque j’avais un sac) mais avec un papier 120 g seulement (trop peu pour l’aquarelle normalement) pour m’enlever de la « pression » : cela devait rester des croquis, sans enjeu, sans forte de volonté d’en faire un très beau carnet de voyage à la Delacroix !

Le résultat

Je suis contente du résultat. J’ai pu faire des croquis tous les jours et souvent plusieurs fois par jour. J’ai finalement peu varié les techniques, les sujets ou les styles mais je me suis fait plaisir. Je pense que cela a été un bon entraînement pour un prochain « vrai » carnet de voyage.

Les erreurs que je ne ferai plus

Toujours dans l’idée de ne pas « sacraliser » mon carnet, j’ai choisi de faire des croquis recto-verso. J’y vois finalement plusieurs inconvénients. Le premier, c’est que du coup des dessins se retrouvent l’un contre l’autre une fois le carnet fermé. Or, si l’un des deux est fait avec une technique « poudreuse », il peut déposer de la matière sur l’autre et le salir. Il faut dire que je n’emporte pas de fixatif (trop encombrant).

L’autre inconvénient, c’est que si jamais je voulais « refaire » mon carnet de voyage en collant mes croquis, mes prospectus, cartes et textes dans un autre carnet, je ne peux pas le faire. Or, le carnet que j’ai choisi fait cinquante feuilles et j’en ai utilisé vingt-trois ; cela aurait pu être intéressant.

La prochaine fois, je prévoirai donc : des feuilles type papier de soie au format du carnet pour protéger les dessins si besoin et du fixatif si possible, qui restera dans la valise, par contre, pas dans le sac !

Sans parler d’erreur, je regrette de ne pas avoir su trouver assez de temps pour faire des longs croquis. Malgré un rythme lent, nous étions toujours en mouvement et souvent avec de la compagnie (dans ce cas là, je dois attendre un moment de pause et m’assurer que j’aurai assez de temps). J’ai donc souvent fait mes croquis avec l’idée que j’avais peu de temps devant moi (alors qu’une des choses que je dois améliorer, c’est de m’appliquer à passer plus de temps, faire plus de détails, étudier mieux les ombres et les volumes !)
J’ai fais pas mal de mes croquis en décalé, d’après des photos prises dans la journée ou la veille, et ce n’est pas la même chose.

Voir aussi :

• Quel matériel emporter pour un carnet de voyage ?
• Ma Galerie de croquis

Le carnet en entier

Une idée positive par jour, Janine Casevecchie

Bien qu’humble et simple, ce livre me semble pourtant réussi dans son domaine. Les motifs qui viennent accompagner les citations sont plaisants, diversifiés, tout comme les citations.

Éditions Chêne, 2007

Vous pouvez l’acheter chez votre libraire préféré ou en ligne, chez un libraire indépendant :
Une idée positive par jour chez leslibraires.fr

Dictionnaire de citations du monde, Florence Montreynaud

Je l’utilise moins pour m’inspirer mais plutôt quand j’ai un thème que je veux traiter en particulier.
Il permet, par ailleurs, d’avoir des textes de toutes époques et de tous pays.

Éditions Le Robert, 2009
Dictionnaire de citations du monde chez leslibraires.fr

Les plus belles pages de la Poésie française

Un très beau livre. Tout est relatif, bien sûr, mais je trouve dans ce recueil beaucoup de poèmes que je prends plaisir à retrouver, d’autres que je découvre totalement à chaque fois que je le reprends.

Sélection du reader’s digest, 2012

Mon édition semble être en rupture de stock mais voici une édition plus récente :
Les plus belles page de la Poésie française chez leslibraires.fr

Fourmis sans ombre, le livre du haïku, Maurice Coyaud

Des quelques livres d’initiation au monde des haïkus que j’ai lu, c’est, de loin, mon préféré. Celui-ci m’a fait comprendre mais aussi sentir ce qu’étaient ces petits poèmes qui m’inspirent tant par ailleurs.

Éditions Libretto, 1999
Fourmis sans ombre, le livre du haïku chez leslibraires.fr

J’aurais pu ajouter à cette liste Une saison au Japon, Sandrine Bailly dont je parle déjà dans la sélection de livres pour l’inspiration et qui est un livre que j’affectionne tout particulièrement.

Voir aussi : Des livres sur la calligraphie

Voici trois livres sur la calligraphie. Seulement trois, mais ils ont été choisi avec soin et me sont souvent utiles. Le premier, de toute façon, est LA référence

Calligraphie / du signe calligraphié à la peinture abstraite, Claude Mediavilla

Le livre de référence sur la calligraphie latine. Claude Mediavilla est un maître de la calligraphie, à la réputation internationale. Ce livre permet de retracer l’histoire de la calligraphie et est enrichi de planches qui peuvent servir de modèle. Pour ma part, la gothique rotunda est une des écritures que j’utilise le plus.

Éditions Actes Sud, 1993

Vous pouvez l’acheter (attention, il est assez cher) chez votre libraire préféré ou en ligne, chez un libraire indépendant :
Calligraphie / du signe calligraphié à la peinture abstraite chez leslibraires.fr

Découverte de la calligraphie latine, Shinta Zenker

Je cite aussi le livre pour apprendre la calligraphie de Shinta Zenker mais je crois qu’il est épuisé depuis bien longtemps. Plus qu’un livre qui m’inspire, c’est surtout que Shinta Zenker m’a enseigné la calligraphie pendant des années. Ce livre est également très utile pour trouver des modèles puisque tout à été tracé par sa main rigoureuse.

Éditions Dessain et Tolra, 2004

Il n’est donc pas facilement trouvable. Vous pouvez essayer chez votre libraire préféré ou en ligne, chez un libraire indépendant :
Découverte de la calligraphie latine chez leslibraires.fr

Calligraphic Alphabets, Arthur Baker

Pour des alphabets à n’en plus finir, de la modernité, voici un livre qui vous fera tourner la tête. Pour être honnête, je pense n’avoir jamais réussi à le parcourir en entier ! Certains alphabets se ressemblent mais il y en a beaucoup de différents et je n’en trouve pas autant, aussi chouettes, réuni en un seul et même livre.

Éditions Dover, 1974

Vous pouvez l’acheter chez votre libraire préféré ou en ligne, chez un libraire indépendant :
Calligraphic Alphabets chez leslibraires.fr

Voir aussi : Des livres pour l’inspiration et Où trouver de beaux textes

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Une saison au Japon, Sandrine Bailly

Je trouve dans ce livre à la fois des textes mais aussi un grand plaisir à le parcourir.
Les textes sont tous sur le japon et sa culture ; on y trouve des haïkus, mais pas seulement. En très grande majorité, leurs auteurs sont japonnais mais parfois, il s’agit de non-japonnais qui décrivent leurs impression, racontent leur voyage.
Chaque texte est mis en regard avec un visuel et on sent le soin apporté à faire les choix, tout est très pertinent.
Le papier mat et beige, le format sont aussi des signes, à mon sens, que tout dans ce livre a été pensé pour faire un objet réussi.

Éditions La Martinière, 2009

Vous pouvez l’acheter chez votre libraire préféré ou en ligne, chez un libraire indépendant :
Une saison au Japon chez leslibraires.fr

L’esprit de la peinture – Hommage aux maîtres flamands, Daniel Abadie et Fabienne Verdier

Lié à l’exposition de Fabienne Verdier à Bruges, ce livre très bien fait permet de faire le lien entre la tradition et l’Histoire, d’une part, et un tracé contemporain et « abstrait », de l’autre.

En l’achetant, je pensais compenser le fait de ne pas aller voir l’exposition – à 300 km de chez moi. Le livre est si intéressant que j’ai fini par aller jusqu’à Bruges !

Éditions Albin Michel, 2013

L’esprit de la peinture – Hommage aux maitres flamands chez leslibraires.fr

Calligraphie et design graphique, Marco Campedelli

Totalement ancré dans notre monde moderne où design et packaging contribuent au consumérisme, ce livre est pourtant un ravissement pour les yeux. Parfois, c’est l’apparente simplicité qui parle à l’œil, et parfois ce sont des compositions plus complexes, ou inattendues. À parcourir.

Calligraphie et design graphique chez leslibraires.fr
(Je mets un lien vers un site de libraires indépendants car je préfère y acheter mes livres mais au moment où j’écris ce billet, ce livre y est très cher ; vous pouvez peut-être le trouver moins cher ailleurs.)

L’union de l’encre et du pinceau, Feng Xiao-Min

Et on rebascule du côté traditionnel et asiatique avec ce très beau livre où textes théoriques, idéogrammes et calligraphies de la main du maître s’alternent pour donner à voir les traits suivant différents rythmes, différentes impressions.
J’avais acheté ce livre sans trop savoir et je ne le regrette pas du tout.

L’union de l’encre et du pinceau chez leslibraires.fr

Et si vous avez vous-même des livres qui vous inspirent particulièrement, n’hésitez pas à nous les partager en commentant ci-dessous

Voir aussi : Où trouver de beaux textes et Des livres sur la calligraphie

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