Il y aura mes travaux personnels et ceux des autres membres de l’atelier, tout comme quelques travaux collaboratifs.

Le vernissage est le jeudi 02 avril, à partir de 18 H 30 et j’y serai bien sûr !

Toutes les infos sont sur la page de l’expo : Le Rythme et la ligne

Ici, les peintures contemporaines côtoient l’architecture médiévales et c’est un régal !

Ici, c’est à la Cité de l’architecture et du patrimoine, à Paris, lors de l’exposition « Mute » où des toiles (qui n’ont pas été faites pour l’occasion à ma connaissance) sont exposée au sein de la collection permanente du musée.

J’ai déambulée, savouré et le lieu – que je découvrais – et les toiles – que j’avais vu cet été à Chaumont pour la plupart.

J’en ai tiré quelques pages dans mon carnet de croquis où je commence à faire un peu de bidouillage en plus du dessin.

L’exposition est prolongée jusqu’au 8 mars 2026, profitez-en !

1. Je n’ai pas retrouvé de lien vers l’exposition en question ; c’est bien dommage. Elle était exposée à plusieurs endroits dans la ville dont un qui permettait l’accueil d’une toile monumentale. ︎
2. Le livre issu de cette exposition rattrape magnifiquement cet écueil ; Fabienne Verdier – L’Esprit de la peinture – Hommage aux peintres flamands (ils se sont fait plaisir sur le prix du livre depuis !) ︎

Mute – Fabienne Verdier
du 22 octobre 2025 au 16 février 08 mars 2026
Cité de l’architecture et du patrimoine

Il s’agit de Soulages, une autre lumière. Peintures sur papier, au musée du Luxembourg, à Paris.
C’est une occasion de voir autre chose que le travail qu’on connaît maintenant le plus de Soulages et de se refaire un peu son cheminement, des débuts à la fin, en se focalisant uniquement sur ses œuvres sur papier.

On peut y découvrir 130 œuvres, avec différentes techniques : brou de noix – bien sûr, mais aussi du fusain, de l’encre, de la gouache…

Une des œuvres présentées m’a particulièrement amusée au regard des recherches de Pierre Soulages autour du noir et de la lumière et notamment via l’Outrenoir.

L’Outrenoir, ce sont ces monochromes noirs où la matière, le mouvement, le volume mettent la lumière en valeur (raison pour laquelle on parle aussi parfois du noir-lumière). Quand on est face à un de ces tableau bien que n’étant fait que de peinture noire, la lumière réfléchie est très visible, joue avec le spectateur en fonction de sa position et semble même donner l’illusion de couleur blanche.

Or, dans l’exposition, on voit que Soulages a également travaillé la mine de plomb sur papier noir. La mine de plomb, c’est de la mine graphite, souvent plus épaisse qu’un crayon. Elle a tendance à briller un peu. Vous le voyez venir ? Cette technique est une expérimentation de plus autour de la lumière et de la lumière dans le noir. On est vraiment dans la même logique que celle des Outrenoirs

Si jamais on en doutait, cet exemple – mais en fait toute cette exposition – montre que Soulages n’a fait qu’une seule chose dans toute sa carrière : chercher la lumière.

Et dans cette quête de la lumière, ça n’est pas pour rien qu’on retrouve le brou de noix. Bien sûr, Pierre Soulages était familier avec cette matière utilisée dans le monde artisanal qui l’entourait dans son enfance. Et oui, son faible coût financier était un argument au moment où il s’en est emparé. Mais surtout, le brou de noix permet à la fois de la transparence (donc aller chercher la lumière du papier) et de forts contrastes car il peut devenir très foncé.

Par ailleurs, quand on sait que j’aime et pratique la calligraphie, on ne s’étonne pas que j’aime les œuvres de jeunesse de Soulages. Tout est traces, traits, signes…

Je ne peux pas clore cet article sans vous partager cette photo de ce petit garçon qui suivait sa famille sans lever la tête mais qui semblait pourtant tout à fait dans l’esprit !

Soulages, une autre lumière. Peintures sur papier
Musée du Luxembourg, Paris (75)
Du 17 septembre 2025 au 11 janvier 2026

1. Ayant visité le musée Soulages il y a peu, j’ai fait deux nouveaux articles à la suite le mois dernier : ︎

La balade dans le village est, elle, très agréable et il y a, bien sûr, des parcours dédiés au peintre à explorer.

Geste, Vitesse, Mouvement

J’aime toujours beaucoup voir ces contrastes entre les bâtiments anciens marqués par le style de leur époque et l’art moderne ou contemporain qu’on y expose. Je trouve que c’est, outre le plaisir des yeux, une leçon pour les gens qui hiérarchise l’art, séparant ce qui est classique et accepté depuis des siècles de ce qui est de notre époque, parfois choquant et ne faisant clairement pas appel à la même technicité.

Ici, en plus, il y a quelque chose qui se répond entre le décor très chargé et le tableau très « fouillis ». Ce n’est, finalement, pas si contrasté que ça

Il y a beaucoup de gestuelle, de traces, de matière chez Georges Mathieu ; pas étonnant que plusieurs personnes m’aient déjà dit que je devrais aller le voir.

Ici, j’aime le geste de cette courbe, mais j’envie aussi surtout le geste de l’artiste qui a provoqué ces éclaboussures qui suivent et prolongent la dynamique.

L’exposition permet d’ailleurs de voir les mouvements de l’artiste, ses outils, ses attitudes. J’aime d’ailleurs beaucoup cet aspect pédagogique d’une exposition. C’est intéressant pour moi qui aime tant le geste dans ma propre pratique, mais je pense que c’est aussi intéressant pour tout le monde, que ce soit pour satisfaire une curiosité ou, et c’est important, pour désacraliser un peu, en tout cas, démystifier.

Georges Mathieu avait l’air d’aimer se mettre en scène et ses peintures étaient aussi des happenings. Performances annoncées et photographiées ou filmées, parfois juste quelques jours avant la date annoncée d’exposition.

Voici une photo en biais permettant de voir l’épaisseur de la peinture. En fait, Mathieu peignait souvent depuis le tube lui-même.

Graffiti X Georges Mathieu

En parallèle de l’exposition Geste, vitesse, mouvement, la Monnaie de Paris proposait aussi une mise en parallèle avec des street artists contemporains qui ont pu intervenir directement, in situ, sur les murs de l’exposition, autour d’œuvres de Mathieu.

L’objectif était, entre autres, de montrer l’héritage, faire des parallèles, mais au-delà de ça, j’adore l’idée. Là encore, donner à voir des pratiques artistiques différentes mais avec des points communs nourrit extrêmement l’œil, je trouve.

Georges Mathieu, Geste, vitesse, mouvement
Monnaie de Paris x Centre Pompidou
du 11/04 au 07/09/2025

Graffiti x Georges Mathieu
Monnaie de Paris
du 11/04 au 07/09/2025

Monnaie de Paris
11 Quai de Conti, Paris

https://www.monnaiedeparis.fr/fr

Artemisia Gentileschi, peintre du XVII^e siècle, est connue notamment pour ce sujet qu’elle a traité plusieurs fois. Dans son cas particulier, il prend une dimension symbolique importante puisqu’elle se serait représentée en Judith suite au viol qu’elle a subi. Fait marquant : il y a eu un procès, intenté par son père, et son violeur a été condamné (bon, elle a juste dû être torturée pendant le procès pour qu’on s’assure de la véracité de ses dires, parce que la justice de l’époque !).
Rajoutons qu’Artemisia est peintre à une époque où c’est rarissime qu’une femme exerce cette profession. Son père, peintre lui-même, la soutien et, par son talent, elle se fera remarquer, obtiendra des commandes des puissants et sera même reconnue par ses homologues masculins, ce qui était, ça aussi, bien rare !
Autre élément rare à l’époque pour une femme : elle est mentionnée comme « chef de famille » dans les archives (elle est marié mais son mari et elle finissent séparés).

Tout ça – plus le fait qu’une amie m’avait offert sa bio¹ quand nous n’avions qu’une vingtaine d’années, que je ne la connaissais pas et que j’avais beaucoup aimé ce livre – fait que j’aime beaucoup Artemisia Gentileschi. Quand on y ajoute qu’elle travaille énormément en clair-obscur, influencée par Caravage, elle ne pouvait que me plaire !

Le musée Jacquemart André lui a consacré une exposition et je ne pouvais donc pas manquer ça.

Je savais, heureusement avant même d’y aller, que ce fameux tableau de Judith décapitant Holopherne de la main d’Artemisia Gentileschi n’y était pas, mais qu’il y avait une copie. Le thème était par ailleurs présent plus d’une fois dans l’exposition, y compris de la main de son père, Orazio Gentileschi.

Le musée Jacquemart André a choisi « Artemisia, héroïne de l’art » comme titre de son exposition et c’est probablement avec un pluriel a héroïnes que l’exposition a été pensée. Les tableaux où Artemisia représente des héroïnes, souvent face au masculin, sont largement présents dès le début de l’exposition et une salle leurs est consacrée.
On peut par exemple relever Suzanne qui tente de se dépêtrer de deux hommes venus l’importuner (Suzanne et les vieillards), Cléopâtre, qui choisi de se donner la mort plutôt que de devenir esclave d’Octave Auguste (Cléopâtre), Yaël qui profite d’une ruse pour tuer l’ennemi de son peuple, Siséra (Yaël et Siséra) ou encore la figure puissante de Minerve, représentée avec une sculpture de tête de Gogone (Méduse).

Il était difficile de se trouver un coin pour dessiner un peu, j’ai donc fait très peu de croquis.

Dans l’ensemble, l’exposition m’a plu. J’y ai trouvé ce que je venais chercher de l’histoire d’Artemisia et de la représentation de la femme face à un monde masculin. Les expositions au musée Jacquemart André sont plutôt chères (18 € plein tarif) et les salles étant petites, on est toujours gêné par quelqu’un ou en train de gêner quelqu’un (et j’y étais en semaine pourtant). Mais je reste tout de même contente de ma visite. Ce sont probablement des tableaux que j’aurais peu l’occasion de voir et puis… Artemisia Gentileschi, quoi !

Il vous reste trois semaines pour aller la voir à votre tour et me donner votre avis !

Artemisia, héroïne de l’art
Musée Jacquemart-André, Paris
Du 19 mars au 3 août 2025

1. Artemisia d’Alexandra Lapierre, éditions Robert Laffont, 1993 ︎

Les représentations de Judith décapitant Holopherne, Judith et sa servante par Artemisia, Yaël et Siséra, Esther et Assuérus, Vénus endormie viennent de Wikimedia Commons.
La représentation de Suzanne et les vieillards vient de wikiart.
Judith et Holopherne, Judith et sa servante par Orazio, Cléopâtre, Héroïne et Minerve sont mes propres photos ; désolée pour la qualité, il était difficile d’éviter les reflets.

Je vous avoue tout de suite, je suis allé à cette exposition plus pour les autres artistes que pour Fernand Léger (et aussi parce qu’avec mon Pass Grand Palais, c’était gratuit !). Et bien je m’en réjouis ! J’ai pris un shoot de couleurs, de joie, d’exploration, d’espièglerie même !

Le parti-pris de l’exposition est de monter des œuvres en tout genre (peinture, sculpture, assemblage) en regard de tableaux de Léger. C’est quelque chose que j’aime beaucoup ! Et les liens formels trouvés sont vraiment forts.

C’est aussi tout simplement une exposition sur les Nouveaux Réalistes, avec quelques artistes du Pop Art, et je ne sais pas si cela arrive si souvent de voir Roy Lichtenstein, Keith Haring, Ben, etc. réunis dans une expo.

Il est peut-être un peu tard pour vous pour y aller (mais bon, il vous reste jusqu’à dimanche 20 !). Ma bonne résolution pour la rentrée sera d’aller voir les expositions au début de leur ouverture pour vous faire des articles qui vous donnent envie d’y aller plus tôt !

Et pour me faire pardonner, un aperçu parmi plus de trente œuvres exposées :

Tous Léger ! Avec Niki de Saint Phalle, Yves Klein, Martial Raysse, Keith Haring…
Musée du Luxembourg, Paris
Du 19 mars au 20 juillet 2025

Exposition co-organisée par le GrandPalaisRmn, les musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes et le musée d’Art moderne et d’Art contemporain (MAMAC) de Nice et présentée au musée national Fernand Léger, Biot sous le titre « Léger et les Nouveaux Réalismes » du 15 juin 2024 au 16 février 2025

Du jeudi 13 au dimanche 23 mars 2025
de 14 h à 18 h

Le vernissage le mercredi 12 mars à 18:30

La Bouvêche, Orsay
Entrée libre

« Uncertain Journey » est un des points forts de l’exposition : une grande salle accueille l’installation dans laquelle le public peut déambuler.

Uncertain Journey
(« Voyage incertain »)
2021/2024
Cadre métallique, laine rouge
Dimensions variables

La prédominance des fils de laine rouges confère à la salle une ambiance colorée douce et chaleureuse. En ajoutant à ça le fait d’être dans l’œuvre, c’est un environnement apaisant et enveloppant que nous propose l’artiste. …Du moins, c’est comme ça que je l’ai vécu

Je suis allée « zoomer » sur le mur pour voir comment les fils sont tenus ; des agrafes, donc.
Dans un film, plus loin dans l’exposition, on apprend que Chiahru Shiota et ses assistants tissent l’ensemble, parfois montés sur des échafaudages, en essayant de privilégier les triangles.

Parfois, l’enchevêtrement de fils fait apparaître une forme un peu plus marquée.

Les fils s’emmêlent, s’entrelacent, se cassent, se défont. D’une certaine façon, ils symbolisent mon état mental vis-à-vis de la complexité des relations humaines.
– Chiharu Shiota, à propos d’Uncertain Journey

L’exposition est ponctuée d’autres éléments. Beaucoup (trop à mon goût) de photos d’installations absentes de l’exposition, des dessins préparatoires et cette peinture, seule peinture de l’exposition.

Untitled
(« Sans titre »)
1992
Huile sur toile
166 × 134 cm

Très émouvante, l’installation « Inside – Outside » est faite d’encadrement de fenêtres récupérées à Berlin suite à la chute du mur. J’ai vraiment ressenti le côté « morceaux de vie ». D’un point du vue plus plastique, j’ai aimé la façon dont les lignes répondaient à celles de la structure du Grand Palais au-dessus.

Inside – Outside
(« Dedans – Dehors »)
2009/2024
Vieilles fenêtres en bois
Dimensions variables

Plus perturbante, la performance « Becoming Painting« , présentée en photos, montre l’artiste voulant « devenir peinture » se recouvrir d’émail toxique. S’il y a forcément une explication à la toxicité, je ne l’ai pas trouvée. Les photos restent néanmoins très graphiques et belles à voir.

De même que pour « Uncertain Journey« , « In Silence » est une installation de fils occupant toute une pièce. L’atmosphère y est moins douce que dans l’ambiance rouge mais il faut dire aussi que le sujet, un piano brûlé rappelant à l’artiste un souvenir d’enfance, prête moins à l’apaisement. La force de l’œuvre est tout aussi forte, si ce n’est plus.

In Silence (« En silence »)
2002/2024
Piano brûlé, chaise brûlée, fil noir Alcantara
Dimensions variables

L’installation finale est assez spectaculaire : là aussi, une des grandes salles du Grand Palais est exploitée pour accueillir des dizaines et dizaines de valises, chacune suspendue par un seul fil de laine, dans une forme ascensionnelle.

Accumulation – Searching for the Destination
(« Accumulation – En quête de la destination »)
2014/2024
Valises, moteur et corde rouge
Dimensions variables

La possibilité de passer sous l’œuvre, et donc le sentiment, là encore, d’être à l’intérieur, contribue à l’appropriation et revêt un caractère ludique.

Quand je regarde une pile de valises, tout ce que je vois, c’est le nombre de vies humaines auxquelles elles correspondent.
Pourquoi ces personnes ont-elles quitté leur lieu de naissance, en quête d’une destination ?
Pourquoi ont-elles fait ce voyage ?
– Chiharu Shiota, à propos d’Accumulation – Searching for the Destination

Chiharu Shiota, The Soul Trembles
Du 11 décembre 2024 au 19 mars 2025
Grand Palais, Paris

Site officiel de Chiharu Shiota

affiche de l’exposition © GrandPalaisRmn, Paris 2024

Le temps était magnifique et a bien permis de profiter du jardin qui, même quand il n’y a pas d’exposition, regorge de décoration et d’éléments à voir. Voici ce que j’ai retenu, en photos et en croquis (bon, juste deux croquis).

Voici celles qui ont retenu le plus mon attention.

Notez que vous pouvez retrouver des reproductions des œuvres du Petit Palais dans les collections de Paris Musées

J’avais vu qu’il y avait des dessins de Dürer ou encore de Rembrandt et je me suis dit que, rien que pour eux deux, ça valait le coup d’aller voir. En plus, le Petit Palais est un musée moins fréquenté et donc plus agréable (même si ça n’est pas toujours vrai !)

C’était en effet une belle expo. Le dessin n’est pas mon sujet de prédilection quand je vais voir une exposition mais là je savais que je venais quasiment que pour ça. Et il y avait de quoi en mettre pleins nos yeux (si tant est qu’on a une bonne vue ou de bonnes lunettes car il y avait beaucoup de très petits détails, beaucoup de finesse, beaucoup de précision.

Ces deux dessins, par exemple, font environ cinq centimètres de large :

Nan mais regardez-les ! Je trouve leurs positions, tout comme leurs visages, tellement rigolos. D’autant plus qu’ils ont l’air de se prendre un peu au sérieux par ailleurs !

Tout comme ces petits portraits de Rembrandt

Bon, ça me rappelle bien sûr mon croquis de Rembrandt fait la moue (qui semble être le même dessin que ce « Rembrand fronçant les sourcils » ci-dessus ; probablement juste un tirage différent puisqu’il s’agit d’une gravure.) J’ai toujours trouvé très amusants les autoportraits de Rembrandt. C’est une pure interprétation de ma part, mais j’ai l’impression qu’il s’y amuse de lui-même.

Voici quelques détails cette fois, mais toujours chez Rembrandt, qui m’ont bien plu :

Pour Les Trois Arbres, il est peut-être difficile de comprendre ce que l’on voit mais c’est justement ce qui m’a marquée dans ce paysage : ces lignes obliques qui semblent presque abstraites au milieu de ciel.
Pour le détail du Golgotha, c’est l’arrière-train très rebondi qui m’a amusée ; y compris avec le contraste que cela fait avec la masse cloutée qu’il tient à la main.
Quand aux Trois Croix, l’ensemble que j’ai pris en photo m’a fait beaucoup d’effet ! Le fait qu’ils ne soient qu’ébauchés leur donne, je trouve, beaucoup d’impact et de puissance et j’ai vraiment beaucoup aimé ce groupe !

Toute une séries de positions :

J’ai mis toute cette série ensemble pour son côté « gens du peuple » de la fin du 19e, début 20e.
Rien que par ce thème là, je crois qu’elles m’ont touchée. Mis à part « La Redoute » de Toulouse-Lautrec et Les Poids de Chahine – où on est dans le spectacle – je trouve que chacun de ces dessins montre puissamment le labeur et la misère.

Cette dernière série est un peu un vrac de ce qui reste et qui m’a attirée. Les deux derniers – le panneau décoratif et la marine – faisaient partie de la fin de l’expo avec des choses qui n’avaient plus ce même lien graphique qu’avait toutes les œuvres depuis le début.

Trésors en noir et blanc
Du 12 septembre 2023 au 14 janvier 2024
Petit Palais, Paris

Spécificité très importante à mes yeux cette année : le sculpteur d’honneur est mon prof de modelage et de dessin, João Sismeiro, dont j’aime beaucoup le travail et la sensibilité.

Jean-François Renauld y exposera non pas des photos mais des peintures à l’huile. Autre nouveauté, un ami photographe y exposera pour la première fois.

Le vernissage aura lieu le samedi 25 novembre, à partir de 19 H.

Je serai pour ma part au salon lors des deux week-ends et, si j’y arrive, en fin de journée en semaine.

Salon d’art de Palaiseau
Place Salvador Allende
91120 PALAISEAU

Du 25 novembre au 03 décembre 2023

À partir de 19 H le samedi 25
puis de 10 H à 19 H tous les jours

Note pour mes plus grands fans : il ne s’agit pas de nouveaux tableaux

C’était de très belles journées ! Déjà, parce que non seulement il n’a pas plu, mais en plus il a fait beau, particulièrement dimanche. L’exposition a donc pu, comme prévu, avoir lieu principalement en extérieur ; c’était tout de même la promesse avec son titre « Promenade »

Nous avons aussi eu le plaisir de d’accueillir beaucoup de monde, même plus que nous l’espérions. Remercions pour ça la municipalité d’Hermeray ainsi que les Jardiniers de la Guesle qui sont venus en nombre.

C’est toujours un plaisir de voir des visiteurs déambuler de toile en toile. C’est particulièrement touchant quand en plus il s’agit de parfaits inconnus dont l’intérêt n’est pas « biaisé » par de l’affection. Et c’est toujours aussi enrichissant pour nous d’entendre des commentaires sur nos œuvres, quand les gens se les approprient un petit peu

Nous avons de très gentils mots dans le Livre d’or – merci à vous pour ça, quelques livres des Petits moines sont partis (et même l’avant-dernier exemplaire du Catalogue de « à travers un rayon de soleil » !). João a aussi pu rencontrer d’hypothétiques nouveaux élèves.

Comme prévu, nous avons animé des démonstrations de calligraphie (moi) et une discussion autour de la méditation (Jean-François). Là encore, c’était un moment d’échanges, dans une ambiance douce et tranquille Merci beaucoup aux participantes et participants !

Comme toujours, merci à toutes les personnes qui sont venues – ainsi qu’à celles qui en avait l’intention mais n’ont pas pu.

En effet, mes calligraphies ainsi que des photographies de Jean-François Renauld seront présentées dans un cadre on ne peut plus bucolique : dans la mini-forêt, le jardin et l’atelier de la Valencerie.

Si vous n’avez pas vu passer l’info, voici quelques détails en plus :

• des impressions sur toile seront exposées, cela veut dire des calligraphies qui n’ont jamais été exposées encore (et cela veut aussi dire des prix de vente réduits
• vous y retrouverez les petits moines de Jean-François, mais également son nouveau projet d’un style… différent !
• La Valencerie est un gîte et un lieu de création ; on peut y prendre des cours de modelage, y dormir, y voir des œuvres d’art et on pourra même bientôt s’y initier à la médiation

Il y aura des démonstration de calligraphie samedi et dimanche après-midi.
(Et des animations autour de la méditation se préparent aussi )

Si vous venez en voiture, vous pourrez vous garer à 500 m, à côté de l’école et de la poste (voir plan ci-dessous).

Exposition « Promenade »
Calligraphie et photographie

17 et 18 septembre 2022
De 11 h à 19 h

75 rue de la Forêt
78125 Hermeray

avec Jean-François Renauld

Le cadre de l’exposition sera à la fois bucolique, naturel et simple puisque nous serons accueillis par la Valencerie, lieu de vie, d’accueil et de création de João Sismeiro, mon prof de dessin et de modelage.
La Valencerie c’est une longère qui fait gîte, un atelier, un jardin et… une forêt ! Bien sûr, on y trouve des poules, des lieux de méditation, des objets parmi les fleurs, des chats…

L’exposition aura lieu à la fois dedans et dehors, dans le jardin et la forêt.

J’y exposerai avec Jean-François Renauld, qui présentera ses petits moines (des nouveaux et des anciens), mais aussi son nouveau projet…

Dernière particularité de cette exposition : une partie des tableaux exposés seront des reproductions permettant à la fois de plus petits prix mais aussi de mettre en vente des tableaux de ma collection personnelle (ou des originaux déjà vendus ;) ).

Tout ça se passera le week-end du 17 et 18 septembre – on espère donc une jolie météo ! – du côté de Rambouillet (78).
Notez la date et venez nous voir !

Maison de la culture du Japon à Paris
101 bis, quai Jacques Chirac
75015 Paris

Hall d’accueil (rez de chaussée) 
Entrée libre

Du mardi au samedi, de 11h à 19h 

J’ai apprécié ce mélange des genres où la bande-dessinée, d’humour, s’offre une représentation « beaux-arts » via des sculptures en bronze mais où l’exposition a lieu dans la rue et non derrière les murs d’un musée.

L’exposition présente une centaine de pièces, toutes issues d’une même collection à laquelle son propriétaire, Ho Iu-kwong, suivant la tradition chinoise, avait donné le nom de Chih Lo Lou c’est-à-dire le « le pavillon de la félicité parfaite » ?

Cette collection réunie des œuvres datant d’une période troublée (du milieu du XVe siècle au début du XVIIIe siècle) durant laquelle de nombreux intellectuels se sont retirés « hors du monde » et on peint la nature et le paysage, considéré comme le lieu de retraite par excellence. Les monts Huang (Monts jaunes) deviendront même un thème artistique et un lieu de retraite particulièrement répandu.

L’exposition met aussi en avant la pratique de la référence : les artistes peignent avec le style d’un maître du passé, les inscriptions permettant de détaillée la référence faite. La calligraphie fait donc partie de l’œuvre et de la composition. J’ai d’ailleurs appris que les sceaux présents sur l’œuvre ne sont pas seulement ceux de l’artiste : chaque propriétaire de l’œuvre vient aussi successivement y mettre le sien.

En parlant de calligraphie, un style se développe lors de cette période et est présenté dans l’exposition : la cursive qui, comme la cursive dans notre alphabet latin, contribue à la fluidité entre les idéogrammes.

Huang Daozhou (1585-1646). Poème en calligraphie semi-cursive (détail), non daté.
Encre sur soie. 177 x 53,3 cm. Collection Chih Lo Lou © Musée d’art de Hong Kong

On apprend aussi que dans cette même période, on valorise l’étrangeté (qi 奇) et l’artiste Fu Shan aurait déclaré préférer « le gauche à l’habile, le laid à l’élégant, (…) le spontané au prémédité », ça me plaît bien

La poésie est également présente : soit que les artistes se sont inspirés de poèmes, soit que des annotations poétiques font partie de l’œuvre. Là encore, le paysage est à l’honneur.
J’ai d’ailleurs eu un vrai coup de cœur pour les Paysages de Yun Shouping mais je n’en ai hélas pas de reproduction. Le catalogue aurait pu m’en laisser une trace mais n’y était reproduit qu’en tout petit (et les photos étaient interdites à l’exposition).

Encre de chine sur rouleaux de soie, arbres, montagnes, rivières, calligraphies… c’était un foisonnement de choses à regarder, toutes plus fines et délicates les unes que les autres ! Les compositions méritent à elles toutes seules notre attention, équilibrant les espaces denses, les vides, les idéogrammes et même les sceaux.

Encore une fois, c’était un plaisir d’aller au musée Cernuschi, de faire un tour dans la collection permanente – ne serait-ce que pour aller saluer le grand Bouddha – et, ce qui ne gâche rien, repartir par le parc attenant.

Peindre hors du monde, Moines et lettrés des dynasties Ming et Qing
Musée Cernuschi, Paris
Du 5 novembre 2021 au 6 mars 2022