Repas vietnamien

Bon, les priorités d’abord, on a commencé par… aller manger ! J’avais repéré un restaurant japonnais mais il était fermé. On a dû se rabattre sur un tout petit resto vietnamien et c’était super ! Jolie déco toute simple, jolie ambiance toute simple, accueil chaleureux (même par les habitués de la table d’à-côté), nourriture délicieuse, etc.

http://www.banoi.fr

J’en ai profité pour faire le premier test de mon pinceau de voyage reçu à Noël est c’est très très validé ! Poils longs, pointe hyper fine, corps qui s’élargit… et bien sûr, très beau, tout en simplicité. Le fait qu’il soit en métal et en poils synthétiques sont des plus non négligeables.

Pinceau de voyage synthétique Kolinsky rond n°4

Marché vintage japonais

Direction Koji Japon !

Là encore, chouette accueil. Koji est venu nous saluer, se présenter et nous demander nos prénoms qu’il a ensuite écrits sur son bras pour s’en rappeler ! C’est un très grand espace, avec beaucoup de choses, parfois très abîmées et un très grand nombre de kokeshi (poupées japonaises en bois).

Le marché était ouvert déjà depuis une douzaine de jours donc j’imagine que les meilleures pièces étaient parties (sauf peut-être pour les kokeshi vu la quantité qu’ils ont).
Notre butin est donc assez réduit mais fort joli.

Nous n’avons pas réussi à résister, nous avons pris d’adorables petits tampons que nous essayons bien laborieusement de traduire encore !

koji.japon (Instagram)

Pour finir

Comme on passait par les Halles, on a aussi fait un détour par Muji pour prendre des stylos et ho, un pantalon est tombé dans mon panier (en vrai, c’était un achat non-déraisonné).

Voilà, une chouette escapade qui nous rappelle que les jolies choses sont partout¹ ; on n’a pas toujours besoin d’aller au musée !

koji.japon
Marché vintage japonais

Bànội
Restaurant vietnamien

1. « Il y a des fleurs partout pour qui veut bien les voir » disait Henri Matisse. Une citation que j’ai découverte il y a quelques années et que j’ai beaucoup calligraphiée. ︎

Non seulement c’est chouette de s’y promener pour voir les arbres en fleurs et les ornements mis en place pour l’occasion, mais également pour voir les gens. En effet, certains en profitent pour revêtir leurs plus beaux habits : robes à fleurs, robes vaporeuses, cosplay japonais voir… costumes d’époque !

Par contre, le mercredi comme le week-end, c’est bondé ; difficile de voir un arbre qui ne soit pas pris d’assaut, difficile de profiter de quiétude.

J’ai tout de même tenté de me laisser inspirer par les fleurs et de faire quelques dessins. Je voulais reprendre mes chers pastels secs ; j’avais en tête de retrouver la « touche » de mon bouquet de fleurs d’après de Staël. …Bon, ça n’a pas été une réussite.

Parallèlement, le domaine propose des animations autour d’Hanami et, cette année, je me suis inscrite à une activité : initiation à la calligraphie japonaise, les deux étant animées par Quartier Japon¹.

Matériel de calligraphie japonaise :

• Pierre à écraser l’encre/recevoir l’encre liquide : suzuri.
• Pinceau : fude
• Encre : sumi
• Papier : hanshi
• Feutrine : shitajiki

L’atelier était ouvert aux adultes comme aux enfants. J’ai donc été rapidement frustrée par le rythme lent auquel on avançait et les redites de tout ce que je savais déjà. Bien sûr, il y a toujours à apprendre et le lieu était agréable, je n’étais pas si mal. Nous avions l’obligation de faire un prénom, je suis donc partie sur quelque chose de long et compliqué : gyanfrannsouwa (ben quoi ? Jean-François !)
J’attends des « japonophones » parmi vous de me dire si vous arrivez à lire

Hanami au Domaine de Sceaux

Quartier Japon

1. J’avais déjà eu l’occasion de faire une initiation au sumi-e avec Quartier Japon ︎

Maison de la culture du Japon à Paris
101 bis, quai Jacques Chirac
75015 Paris

Hall d’accueil (rez de chaussée) 
Entrée libre

Du mardi au samedi, de 11h à 19h 

Il y avait beaucoup d’informations et de finesse sur l’original. Le traité à l’cquarelle n’était peut-être pas une bonne idée. J’hésite encore à reprendre ce croquis à la plume pour le compléter…

D’après Maruyama Ōkyo, Paon et pivoines, catalogue de l’exposition Le Japon au fil des saisons, musée Cernuschi

D’après Hōitsu, Trois mejiro sur un arbre à kakis
Issu du catalogue de l’exposition Le Japon au fil des saisons (et non pas Une saison au Japon comme indiqué sur le croquis !) du musée Cernuschi

On est bien loin de la douceur et de la composition de l’original mais bon, je reprends doucement mes crayons et ma peinture, je suis peut-être un peu trop pressée.

Je crois que j’étais à la Maison du Japon quand, ayant un peu de temps, je suis restée regarder l’écran du hall d’entrée. Quelques images sur un certain « Jakuchū« , que je ne connaissais pas, m’ont convaincue d’aller voir une exposition qui lui était consacrée au Petit Palais, à l’automne 2018. Je ne savais pas à ce moment là le caractère exceptionnel de l’événement.

Du 15 septembre 2018 au 14 octobre 2018
Petit Palais, Paris
Jakuchū (1716-1800) – Le Royaume coloré des êtres vivants

En effet, le programme en question, trente rouleaux de soie peints, ne quittait le Japon que pour la deuxième fois (la première fois, c’était en 2012 aux États-Unis). Très fragile, il n’était exposé qu’un mois. Un seul petit mois, dans un grand musée parisien, pour une œuvre qui ne voyage pas ou si peu, pour la première fois en Europe… d’autres plus avertis que moi ont su le caractère exceptionnel et y sont aussi allés ! Résultat, il y avait facilement deux à trois heures de queue pour rentrer dans le bâtiment!

Mais les quelques images que j’avais vu m’avait charmée et je voulais aller voir cette exposition. J’ai donc attendu, des heures, carnet de croquis à la main, sans même savoir si j’arriverai à rentrer avant la fermeture. Et bien cette exposition, a été à la fois une des pires expositions côté expérience et une des meilleures côté émerveillement des yeux que j’ai faite jusque là !

Passé le temps de la queue, au moment où enfin je rentrais dans la pièce, j’ai été aussi déçue que découragée : il y avait un monde fou dans la petite salle, collé tant que possible aux vitres dans lesquels étaient exposés les tableaux, pire que dans le métro aux heures de pointe que je subissais tous les jours. Mais après tout ce temps à faire la queue, j’ai juste pris mon courage à deux mains et me suis insérée dans le flot lent et compact qui glissait le long des vitres.

J’ai tellement bien fait !

Les panneaux étaient un étalage de délicatesse, de subtilités, de richesse des détails ! De couleurs et de finesse pour des « choses » (plantes et animaux), simples et sublimés. Moi qui ai tendance à n’aimer dans la peinture figurative que des styles expressionnistes, s’approchant de l’abstrait, je me suis là laissée emporter par une représentation presque naïve mais qui m’a parue si enthousiaste.

Quelques informations techniques que je n’ai lu que trop rapidement au début de l’exposition (j’étais pressée d’arriver dans la salle après toute cette attente !), nous apprenait que pour rendre ses blancs encore plus blancs, Itō Jakuchū peignait aussi quelques détails sur l’envers du panneau. C’est du moins ce que j’ai retenu.

Le livre

À la sortie de l’exposition, sachant que j’aurais envie de me rappeler de ce que j’avais vu, et en me disant que cela compenserait le trop peu de temps passé à lire les explications techniques, j’ai voulu acheter le livre de l’exposition. Et là… la queue ! Il était tard, et je me suis dis que je rattacherai lors d’une prochaine exposition dans n’importe quelle librairie des musées nationaux.

Erreur.

Le livre s’est très vite retrouvé épuisé et, après avoir échoué à le trouver dans les musées, après avoir demandé à mon libraire, sans succès, de me le commander, j’ai fini par le chercher sur internet, où on le trouvait à des prix exorbitants !
Heureusement pour moi, j’ai un conjoint malin qui, après des mois, a fini par le trouver et me l’offrir (le payant un prix raisonnable m’a-t-il promis !).

Je n’ai pas été déçue. C’est un beau livre et les reproductions, tantôt sur papier brillant, tantôt sur papier mat, permettent de revoir toute la délicatesse du trait et la vivacité des couleurs, même si, bien sûr, ça ne peut pas être comme de les voir en vrai.

Jakuchū (1716-1800). Le Royaume coloré des êtres vivants
Sous la direction de Manuela Moscatiello et et Aya Ōta
144 pages, 76 illustrations
22 x 28 cm
Éditions Paris Musées, septembre 2018

Le livre s’ouvre sur les reproductions de la totalité des panneaux en quasi pleine page précédées de la Triade de Śākyamuni (qui était exposée aussi mais j’avais eu moins d’attention pour elle). Il se termine par la reproduction des Fleurs précieuses du jardin mystérieux.
Puis différents chapitres se succèdent – contexte social, culturel et artistique de l’époque, biographie de Jakuchū, sa pratique artistique et les trente panneaux en particulier, bouddhisme, etc. – dont voici, ci-dessous, un très rapide résumé.

Contexte historique d’Ito Jakuchū

À l’époque de Jakuchū, le pays était issu d’un système où la culture et donc la peinture étaient à la main de la classe dominante et d’un courant qui voulait que l’on « transmette sans inventer », c’est-à-dire que l’on fasse à la manière des anciens sans aucune créativité personnelle. Au fur et à mesure que d’un pouvoir économique grandissait et à la faveur d’un contexte politique d’ouverture et de connaissance, l’art s’est fait plus accessible, plus populaire et plus personnel.

C’est dans ce contexte propre au Japon du 18e siècle, que Jakuchū a exercé son art, formé à la tradition mais ouvert à sa propre expression.

Ito Jakuchū (1716-1800) était sensible à l’art et pratiquait la peinture mais ce n’est qu’à l’âge de 40 ans qu’il a abandonné les affaires familiales pour se consacrer à son art.
Côtoyant les moines Daiten et Baisao, le peintre trouve dans leur compagnie la spiritualité et l’érudition qui viennent alimenter sa pratique et sa sensibilité.
Le bouddhisme est au cœur de la pratique artistique du peintre qui a d’ailleurs peint le Royaume coloré des êtres vivants pour en faire don à un monastère.

Alors qu’il apprend en copiant les œuvres qu’il voit dans les monastères, il travaille aussi d’après nature et peint beaucoup, par exemple, les coqs de son jardin.

L’art de Jakuchū peut se définir par un grand raffinement, la composition, la recherche de nouvelles formes mais aussi les couleurs éclatantes comme la maîtrise des nuances à l’encre de Chine.

Il est à noter que le livre contient une liste de dates marquantes de la biographie du peintre de accompagnées de repères historiques et contextuel.

Le Royaume coloré des êtres vivants

Le Royaume coloré des êtres vivants avait pour ambition d’exprimer toute la pureté, le beauté et la force vitale des végétaux, des oiseaux, des insectes, des reptiles et autres poissons qui peuplent le monde naturel.

Aya Ōta

Le programme témoigne de la grande maîtrise technique qu’avait le Jakuchū de la peinture sur soie (travail du fond, utilisation des couleurs différente selon leur mode de fabrication, etc.) et de comment il a mis ce savoir au service de la finesse du trait et du chatoiement des couleurs. On peut particulièrement remarquer ses blancs ou encore comment il parvient à donner l’illusion de la couleur dorée sans pour autant l’utiliser. Les effets qu’il donne en utilisant l’envers de la soie sont multiples et témoignent là encore du savoir-faire de l’artiste : profondeur, illusion d’espace, volume, transparence, etc. sont autant d’éléments renforcés par les subtilités dont on n’identifie pas la source.

Le soin du détail dont il fait preuve et sa volonté supposée de transmettre non seulement l’idée liée au bouddhisme que chaque forme d’existence est digne d’attention et même de vénération, mais également que chaque être vivant est différent et que cette différence est digne de respect.

Bien sûr, il ne s’agit là que de raccourcis rapides mais je voulais vous partager un peu de ce peintre méconnu en occident dont l’œuvre est pourtant tout à fait exceptionnelle et de ce très joli ouvrage que je suis heureuse d’avoir. Si jamais, au cours de votre vie, vous passez devant une exposition, un livre, un événement autour de « Jakuchū », ne ratez pas cette occasion !

Quelques pages du livre :

Le Royaume coloré des êtres vivants est conservé au Musée des Collections impériales à Tōkyō.

Autres livres :

• Les Fleurs précieuses du jardin mystérieux, éditions Picquier ;
• On A Riverboat Journey: A Handscroll by Ito Jakuchu with Poems by Daiten, édition George Braziller ;
• Colorful Realm: Japanese Bird-and-Flower Paintings by Ito Jakuchu, University of Chicago Press ;
• Plus d’autres livres en japonais !

Voir la galerie de croquis.

(Voir cette image sur Instagram.)

Voir la galerie de croquis.

(Voir cette image sur Instagram)

Tout m’a plu : les traces, vives, expressives ; les questionnements et parti-pris – abstrait, un seul caractère, les messages sociaux et politiques ; les mêmes caractères calligraphiés plusieurs fois et pendant des années ; les pinceaux exposés (imaginez des pinceaux de plus de vingt centimètres de diamètre !)

Yu-ichi Inoue est à l’origine un enseignant, qui calligraphiait une fois rentré chez lui. Attiré un moment par l’abstraction du trait, il est revenu vers la calligraphie de caractères. Une de ces particularités à été de faire des tableaux d’un seul caractère. « Amour », « fleur », « oiseau » font partie des caractères que Yu-ichi a calligraphié à de nombreuses reprises.

Il calligraphiait également des poèmes, des sutras, des textes sacrés. Parfois, des textes de sa propre création, non sans humour pour certains : « La tête du pinceau s’est détachée. Après tout, peu importe, elle est tombée et puis c’est tout. »
Sa démarche l’a également conduit à calligraphier des événements sociaux et politique ; le plus touchant est certainement celui où il raconte le bombardement de l’école où il enseignait et duquel il est ressorti seul survivant. Le tableau correspondant, Ah École nationale de Yokokawa, est un fourmillement de caractères tracés avec vivacité sur un grand ensemble.
La maladie l’ayant rendu incapable de continuer ses grands tracés, Yu-ichi a exprimé son besoin de calligraphie au simple crayon Conté ou au fusain, au moyen desquels il jetais avec frénésie des textes qu’il énonçait à voix-haute tout en écrivant. C’est une de ses périodes les plus productives.

Et c’est probablement parce que Yu-ichi Inoue ne s’est rien interdit, parce qu’il a tracé ses caractères selon sa démarche, son besoin et ses envies, ouvrant ainsi des espaces que d’autres n’avaient pas explorés, que l’exposition porte le sous titre « la calligraphie libérée« .

Vous pouvez faire une idée de l’exposition en regardant ce court reportage d’arte : Le trait sans cesse renouvelé de Yu-Ichi Inoue.

Amusant : alors que je découvre Yu-ichi Inoue, je lis dès le premier panneau explicatif, qu’il avait une correspondance active avec …Pierre Soulages, qui n’est décidément jamais loin

L’exposition n’est pas grande mais généreuse : en plus des nombreux tableaux, une vidéo nous montre le peintre en train de tracer des caractères ainsi qu’un petit reportage. Une vitrine montre également d’impressionnants pinceaux ! Enfin, quelques livres sont mis à dispositions pour être consultés sur place.
Notez que le billet d’entrée à l’exposition (5 € en tarif plein) vous donne un droit d’accès à l’exposition « Fukami, une plongée dans l’esthétique japonaise », à l’hôtel Salomon de Rothschild, du 14 juillet au 21 août.

Yu-ichi Inoue, la calligraphie libérée
Maison de la culture du Japon à Paris
14 juillet – 15 septembre 2018